My Favorite Movies

Sou a pessoa mais suspeita do mundo pra falar de "Magnólia", já que é um dos meus filmes preferidos - talvez O preferido.

O PT Anderson joga o tempo inteiro com o contraste acaso/destino de uma forma brilhante. Acho foda a forma como as histórias de cada personagem vão se ajustando e interferindo umas nas outras.

Ah, e o elenco... E as pistas...

Acho o Mike (R. Phoenix) um dos personagens mais tristes que já vi num filme. Ele é um cara emotivo trancafiado dentro de uma timidez, da sua bizarra narcolepsia, do determinismo do mundo externo e de uma absoluta incapacidade de se comunicar. Quando ele tenta transpor essas barreiras, falha.

Tudo isso é retratado com uma frieza desoladora pelo Gus Van Sant.

O filme também me marcou como a primeira vez que tive raiva do Keanu Reeves. Mas, dessa vez, foi só do personagem.

"Paris, Texas" é um filme de encher os olhos. O filme tem um lirismo absurdo, sem cair na armadilha de soar demasiadamente pretensioso e chato. O filme é pretensioso, claro, mas não decepciona em nada.

Há todos os tipos de referências e metáforas no filme, algumas demonstradas por diálogos bem freudianos e outras por takes criativos do tipo "uma imagem vale mais que mil palavras".

O tema do filme é desenvolvido de forma riquíssima, com uma atuação perfeita do H. D. Stanton, o protagonista à procura de sua identidade. Essa busca vai pontuando o filme e a recuperação da memória desse personagem vai envolvendo o espectador, à medida que ele vai se humanizando e, conseqüentemente, se tornando mais complexo e interessante.

A parte final, com a redenção dos personagens, traz algumas das cenas mais lindas, emocionantes e marcantes do cinema.

Um ou outro pode até não gostar de "Trainspotting", mas uma coisa é inegável: o filme é um ícone absoluto da década de 90. O Danny Boyle dá continuidade a um retrato da juventude britânica dos anos 90 iniciado em "Cova Rasa".

Dessa vez, com o sarcasmo, o individualismo e o humor negro já devidamente instalados, o diretor avança pelo universo pop, mesclando imagens quase videoclípticas com outras bem reais e pesadas. A mistura da trilha sonora perfeita com o roteiro marcou época e rendeu um punhado de seqüências históricas.

Outro trunfo do filme é criar uma enorme empatia entre o público e personagens anti-heróicos, como Mark Renton, a consagração do Ewan McGregor.

Por último e não menos importante, o filme não cai nem por um segundo na perigosa tentação de retratar a questão das drogas de forma panfletária e careta. Imperdível.

O Ang Lee cria um cenário épico e intocável desde o começo do filme. E deixa o roteiro ir fluindo com pouca interferência. A sensação de que a história não pode ser evitada é inevitável. Espera-se, a todo momento, que algum acontecimento surpreendente aja em prol daquele romance impossível, mas isso nunca chega a acontecer. Resta a quem assiste simplesmente ir se conformando com o destino infeliz dos personagens. E não há um deles que tenha uma sorte diferente. Apesar da aridez da direção, fica complicado não se envolver com o drama narrado. Então, mesmo pessoas que jamais se imaginariam torcendo por um casal gay acabam por sentir um vazio profundo e se tornam solidárias aos dois protagonistas. O filme vai nocauteando várias vítimas, desde as instituições mais caretas da cultura norte-americana até o sentimento mais íntimo que temos dentro de nós a respeito do amor. Algumas perguntas não saem da cabeça... Vale a pena? O amor tudo pode? E claro: por quê?

Meu filme preferido do Scorsese. Nada em "Taxi Driver" é despropositado. Nem mesmo a "paranóia vaporeto-paradoxal" representada pelo DeNiro. O Scorsese retrata a sociedade americana como um macro-organismo doente. O mais curioso e brilhante é que, isoladamente, as partes desse inconsciente coletivo não têm a menor noção de sua contribuição nociva nesse processo maior de degradação, tornando todos um exército de anti-heróis.

O filme é estruturalmente inusitado, com aquela mistura de filtros, a narrativa com mistura de cantorias e dramas... E nada é à toa.

A escolha do elenco também não poderia ser mais acertada: a Björk parece ter nascido Selma, e a Catherine Deneuve comove como amiga (e parceira num dueto) da protagonista.

O teor do filme é ainda mais instigante: é quase uma tortura resistir até o fim do filme. Nem Hitler ficaria insensível. Dá pra chorar trocentas vezes... Depois de tanto chorar, ando achando que, se eu fosse um personagem do filme, maltrataria a Selma.

É a versão latina e masculina de "Thelma & Louise".

Lindo e devastadoramente triste.

Tem o melhor elenco da história do cinema recente e, conseqüentemente, atuações perfeitas.

A história é ótima, o ritmo e a edição também.

Pode ser clichê, mas é um retrato perfeito do fim da inocência da infância. E dá saudade...

"Don't you fucking look at me!"

Os diálogos são absurdos e memoráveis.

O filme é totalmente bizarro, na melhor maneira possível, e mostra que a diferença entre pessoas loucas e sãs é menor do que se imagina.

Depois de "Pulp Fiction" e "Short Cuts", parecia difícil inovar na questão da cronologia e da narrativa dum filme, mas o filme faz isso de forma espetacular. E não é só forma; o conteúdo é excelente. E tem o Guy Pierce todo desamparado.

Imperdível para quem gostou de sofrer com "Dançando no Escuro" e "Dogville".

A vítima aqui é a Emily Watson, que é torturada durante todo o filme. A degradação dela ultrapassa todos os limites do suportável. Dá tanta agonia, que o espectador passa a ter raiva de toda aquela passividade e da hipocrisia dos outros personagens.

O Scorsese nunca foi tão pouco Scorsese, apesar de manter a excelente qualidade.

O Daniel Day-Lewis mostra porque é um dos meus atores preferidos.

Tudo no filme é muito acertado, desde a parte mais técnica até o roteiro, que é cheio de excelentes sacadas, passando pelo elenco impecável. Apesar de ser um filme com uma temática gay, não há nada gratuito ou panfletário no filme. O filme acompanha o protagonista Zach desde sua infância até o começo de sua vida adulta, sempre enfocando a relação dele com sua grande e multifacetada família. É impressionante o trabalho do menino que interpreta o protagonista quando criança. Sem cair em qualquer estereótipo de "criança-bichinha", o menino interpreta, com as devidas sutilezas, a realidade de uma criança que desde sempre se percebe diferente das demais. São retratadas suas dúvidas, sua solidão, seus medos e seu sentimento de rejeição da própria identidade afetiva e sexual. Não há como não se envolver com a história de Zach e seus pais: a forma como seu pai não o compreende e como ele tenta, em vão, se adequar aos sonhos do pai; e a proteção por sua mãe, ao percebê-lo diferente das demais crianças. Na adolescência e na juventude, os esboços da homossexualidade de Zach começam a se concretizar... Tudo isso ocorre em meio a uma trilha sonora incrível, bem 70's, que rende momentos memoráveis. Um filme "temático", mas com mil outras qualidades. Sem contar que a história de Zach acaba levando o espectador (gay, né) a fazer um grande flashback da sua vida. É um dos melhores filmes que vi nos últimos tempos.

O filme é assustadoramente verossímil e não tem o menor pudor de dissecar um dos temas mais controvertidos na sociedade americana: o racismo. O roteiro aborda a questão do revanchismo cíclico e quase irracional, devidamente disfarçado de relação causal pelos personagens numa tentativa de justificar tanta brutalidade. Comandando o excelente elenco, vem o Edward Norton em uma de suas melhores (ou a melhor, talvez) atuações.

O filme só perde meia estrela por cair, vez ou outra, na armadilha de ser politicamente correto demais. Acho desnecessária a panfletagem anti-drogas. Se o filme não fosse tão bom, daria pra achar que se trata de campanha "muderna" do Ministério da Saúde.

É o filho do Almodóvar com o Lynch.

O humor negro grita. Nunca ri tanto na minha vida num filme.

A inveja do Ripley pelo personagem do Jude Law é uma das coisas mais justificáveis do mundo.

E a fotografia é uma das minhas preferidas ever.

Infelizmente, eu ainda não assisti a "Paranoid Park", o que faz com que "Last Days" seja o filme mais contemplativo do Van Sant a que eu já assisti. Se essa característica se fazia presente em todos os seus outros filmes de uma forma mais ou menos intensa, aqui ela é ponto de partida. Eu iria além: acho que, para tentar apreciar o filme, é necessário que se saiba isso de antemão e, obviamente, se esteja disposto a uma viagem nada ordinária. Já ciente disso e num dia de pouco sono, dá para apreciar as muitas qualidades do filme.

A trama (?) gira em torno do rock star Blake, personagem do Michael Pitt, que emula o Kurt Cobain, e o seu processo angustiante de deteriorização. À medida que a história vai sendo contada, o personagem vai entrando num processo de escapismo em mão única. O silêncio e o grau de abstração, aliados a essa angústia, chegam a causar grande desconforto em diversos momentos do filme. Fica a sensação de que há duas texturas no filme: uma externa, onde o tédio se manifesta; e outra interna, em que os sentimentos de inadequação, fraqueza, solidão e falta de perspectivas geram aquela desapego com a vida.

A superficial quietude do filme chega a níveis absurdos, em que parece que o diretor esqueceu a câmera ligada em uma paisagem aleatória e mal iluminada. O mesmo ocorre com relação a alguns takes bem compridos de papos aparentemente (ou não) dispensáveis, em que a câmera mal se move ou fica realmente estática.

O grande barato do filme é conseguir notar as sutilezas daquele cotidiano de derrota e a poesia dessa tristeza toda. A cena em que o Blake toca bateria e a câmera vai lentamente se afastando é linda e simples. Outro grande momento é o monólogo travado entre o silencioso Blake e seu amigo, que tenta, em vão, conversar sobre uma composição. O tal amigo se frustra e deixa o Blake sozinho. A partir desse momento, o "Cobain" se sente um pouco menos desconfortável e começa a tocar uma música beeeem Nirvana: obscura, triste e balbuciada.

Como eu disse antes, não se trata de um filme para se ver todos os dias ou para virar um campeão de audiência da Sessão da Tarde. É um filme quieto, pretensioso, contemplativo e - por que não? - entediante em diversos momentos.

O filme tem um final tão surpreendente quanto "Sexto Sentido", mas não fica apena nisso: é tenso, sombrio e claustrofóbico do início ao fim.

Trata perfeitamente da questão da inadequação e da solidão na multidão.

O maior aspecto positivo talvez seja o fato de o filme nunca vulgarizar a relação entre os dois protagonistas. É espantoso que isso nunca chegue próximo de ocorrer.

Tem um jeito romântico-freak que eu amo.

Tiver que dar o braço a torcer pro Woody Allen dessa vez.

Adorei a coroação da maldade.

Saí do cinema muito confuso com relação aos meus conceitos de pureza e sujeira.

O filme termina com todo mundo leve e alegre. E louco pra ouvir "Tiny dancer" na estrada com um grupo de amigos.

Se, em "Lolita", o amor platônico do homem de meia-idade pela menina que dá nome ao filme tem caráter sexual, aqui, em "Morte em Veneza", a obsessão do personagem do Bogarde pelo garoto Tadzio é de natureza ambígua, denotando um apreço pela perfeição estética como auge artístico.

O filme narra a estada de Gustav, personagem do D. Bogarde, por Veneza, numa tentativa de relaxar após alguns eventos estressantes em sua carreira como músico.

Em vez de conseguir encontrar a calmaria, Gustav se vê obcecado pela figura de Tadzio, um garoto na puberdade que se encontra com sua família no mesmo hotel em que se hospeda o protagonista.

A atração pela beleza do menino cresce de forma incontrolável, de forma a assombrar Gustav, que tenta evitar esses sentimentos.

Ao mesmo tempo, como que numa relação apocalíptica e moralista de crime e castigo, a cidade de Veneza vai sendo infestada por uma peste mortal.

O mais impressionante no filme é, sem dúvidas, a forma contemplativa e poética como tudo é retratado. A narrativa, a partir do personagem do Bogarde, é quase silenciosa, agonizante e permeada por uma trilha perfeita. O protagonista parece tão irradiado pela beleza do Tadzio, que não se sabe ao certo se o menino corresponde levemente aos olhares ou se é apenas uma visão corrompida da realidade.

Assim como em "Fale com Ela", "Morte em Veneza" tem como grande trunfo a confusão moral e visual que deixa no ar a respeito da pureza dos sentimentos retratados.

"Adaptação" é um dos filmes mais complexos que lembro de ter assistido. Não que seja um filme "difícil" ou "cabeça", longe disso.

Aliás, esse parece justamente o dilema do fictício roteiro metalingüístico: ser ou não um filme hollywoodiano. Isso fica bem claro no personagem-projeção de gêmeo do próprio Charlie Kaufman, um alter-ego menos denso e mais moldado pela indústria de cinema.

A trama, como não poderia deixar de ser - em se tratando do nome por trás do roteiro -, é estruturada em diversas camadas e realidades que se sobrepõem e se confundem, pautadas pela dificuldade do (personagem?) roteirista em fazer seu ofício.

No fim das contas (olha o spoiler...), percebemos que todos fazem concessões na vida, e que a originalidade e a novidade estão na forma de ver as coisas e não nelas em si.

Ah, sim, caso não tenha ficado claro, é um filmaço: o melhor do Spike Jonze (diretor) e o único que presta estrelado pelo aqui brilhante Nicolas Cage desde o xarópico "Cidade dos Anjos".

A despeito do spoiler causado pelo título em português, "Atonement" é um grande filme, em todos os sentidos.

A começar, ótimo pela forma narrativa eficaz e rápida, sob diferentes perspectivas e usando dos flashbacks sempre com algum propósito e, principalmente, sem tentar soar moderno ou original. Não sei se essa modalidade narrativa já existe no romance, mas fato é que funciona muito bem na adaptação para o cinema.

A fotografia do filme também merece ser ressaltada. Os cenários são lindos e os enquadramentos idem. Os figurinos e toda reconstrução de época dão o tom exato para cada fase do filme.

Outro trunfo do filme é o elenco, todo bem entrosado. O casal protagonista tem química e funciona muito bem. O personagem do James McAvoy, especificamente, aparece sempre muito bem, com sua habilidade em demonstrar a transição de um jovem cativante e otimista para um cara amargurado e sofrido. Já a Keira Knightley é sutil, charmosa, sensual, apaixonada e inocente na medida certa para o papel.

O destaque maior do filme não vai pra um ator ou atriz apenas; vai pro personagem Briony, interpretado com o mesmo brilho pelas diferentes atrizes nas três fases do filme.

Bem curioso é o fato de que o miolo do roteiro tem um quê de "O Caçador de Pipas" (último filme que eu havia visto): um(a) jovem escritor(a) comete um erro na infância que vai persegui-lo(a) por sua vida inteira. Apesar das terríveis conseqüências, em ambos os filmes há uma chance de reparar o ocorrido.

Como "reparar", entenda-se de forma beeem ampla. Nada que diminua o êxito dos filmes, claro. Muito pelo contrário: a impressão que fica, principalmente em "Atonement", é de que a culpa que persegue a pessoa que cometeu o erro já bastaria para a expiação. Em "O Caçador de Pipas", o mesmo não ocorre. Aqui, fiquei bastante sensibilizado pela situação da Briony, já que, mal ou bem, acho que o casal protagonista teve um final mais digno.

Ah, sim, levem lenços!

A trilha é foda (tem Buckley!), e o filme ia muito bem, obrigado, até o final. Sério, o que foi aquela explicação, pe-pessoal?

"Caché" é bem mais do que um mero filme de suspense sobre espionagem residencial. Até porque esse tema já tinha sido incidentalmente tratado pelo estranho (e ótimo) "Lost Highway".

Mais do que a tensão de sentir sua intimidade filmada, a família protagonista se sente ameaçada por algumas conseqüências originalmente não imaginadas.

As fitas fazem com que os personagens reencontrem e reavaliem histórias antigas até então esquecidas ou evitadas.

As gravações também causam desconforto ao mostrar os personagens ações que eles escondiam uns dos outros, afetando, assim, a estrutura da confiança familiar.

A mais séria conseqüência da exposição desses cotidianos - e a maior qualidade do filme - é, no entanto, o embate que os personagens têm com suas próprias ações. Eles são confrontados com seus lados sombrios, causando desconfiança em si mesmos - e não só ao espectador - sobre caráter e integridade.

Ao lado de "Elefante" (Gus Van Sant), "Dear Wendy" é uma porrada na relação de fascínio da juventude americana com a questão das armas de fogo.

As metáforas estão todas presentes: a arma é comprada numa loja como se fosse um brinquedo; a relação entre o dono e sua arma é íntima e beira o romantismo; e, claro, existe o pacto de que as armas não serão jamais utilizadas, pois servem apenas para dar força a seus portadores, que se dizem pacifistas.

A forma como a história vai se construindo é perfeita, pois tudo se encaixa e prende a atenção por todo o filme. A idéia inicial é justamente fazer com que nasça uma empatia entre o espectador e os protagonistas, de modo que nos analisemos a fim de imaginar se precisaríamos de (ou se, pelo menos gostaríamos de ter) uma arma naquelas circunstâncias.

Outro grande trunfo é a forma sutil como o Vinterberg demonstra a ciência dos personagens sobre o perigo que as armas representam. É aquele velho caso de saber uma coisa, mas deixá-la bem no fundo, guardada, pois a verdade seria muito dolorosa e decepcionante. Essa noção serve perfeitamente como metáfora para a idéia de portar armas julgando ter intenção de não utilizá-las. A idéia de matar alguém é tão próxima, que, para evitar a tentação (a arma foi feita para isso, frisa o filme), troca-se a palavra "killing" por "loving". Isso foi um spoiler?

O retrato do universo gay estritamente bélico e israelense feito pelo diretor Eytan Fox em "Yossi and Jagger" dá lugar a uma temática mais ampla e social em "The Bubble", que aborda as relações conturbadas entre judeus e árabes a partir do relacionamento entre o judeu Noam e o árabe Ashraf.

Não é só essa a mudança: ao contrário do filme anterior, "The Bubble" vai construindo bem mais lentamente e de forma bastante delicada o cenário opressor do Oriente Médio. � impressionante como é acertada a condução da trama, alternando perfeitamente momentos intimistas com sociais. Essa constante oposição dos mundos particular e universal é a perfeita metáfora para a realidade em que se encontram os moradores da isolada e pacífica Tel Aviv, uma das "bolhas" de que trata o filme.

As demais "bolhas" ficam nas entrelinhas e provavelmente não serão captadas por todo mundo, mas são, para mim, o ápice do filme. Trata-se do confronto dos personagens com as diversas realidades existentes dentro deles mesmos: a família a que pertencem, a religião em que crêem (?), os amigos que têm, os preconceitos... Tudo isso entra em choque a todo momento - de forma bem velada em alguns momentos, levando os personagens a uma jihad interior e a questionamentos sobre a própria identidade. � fantástica e assustadora a forma como é retratada a relação do árabe gay com as tradições muculmanas. O limite entre a bolha pessoal em que cada um vive e a bolha social, por mais isolada e peculiar que essa segunda seja, é muito rico, e a sinergia entre elas é muito mais intensa do que os personagens gostariam que fosse, mostra o filme.

No fim das contas, fica um gostinho de "Brokeback Mountain", "Pontes de Madison" e "Fim de Caso"; o que é diametralmente oposto a ser ruim, mas é triste que dói.

"500" é tão impactante e envolvente, que, para mim, as pessoas agora se dividem em tom's e summer's.