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El Laberinto del Fauno (México-España-E.U., 2006), su octavo largometraje, estuvo nominada a la Palma de Oro en Cannes, una historia fantástica de altos vuelos, fiel a sus obsesiones temático-visuales (relojes, insectos y criaturas fantásticas) para reinventarlas dentro de un contexto histórico, la Guerra Civil Española, no muy lejos de lo surreal y lo gótico de todas maneras.

Del Toro demostró lo bien que podía desenvolverse en este escenario histórico con El Espinazo del Diablo (2001), una historia de fantasmas que se desarrollaba dentro de un internado para chicos. El realizador encuentra en esta época histórica, un espacio idóneo para situar historias fantásticas sobre la clásica lucha entre el bien y el mal. En El Laberinto del Fauno, será el ejército franquista la representación del mal, en un relato situado años después de su triunfo sobre las huestes republicanas. Su despotismo, tiranía y crueldad estarán representados en la férrea y poderosa presencia del actor catalán Sergi López, interpretando al capitán Vidal, jefe de un cuartel instalado en algún bosque del norte de España.

Escrita por el mismo Del Toro, el relato es un fascinante cuento de hadas terrorífico, que exhibe una violencia gráfica sin tapujos, llena de metáforas sobre el bien, el mal y que se mueve sin problemas dentro de una dimensión alterna de fantasía, llena de criaturas como hadas, sapos gigantes, mutantes devora-niños y, el mejor de todos, un maravilloso fauno, quien fungirá como el guía de una niña, Ofelia (Ivana Baquero, estupenda), en su viaje por este universo.
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En Tim Burton, ya no es de extrañar que en Corpse Bride (E.U., 2005), el mundo de los vivos sea de una paleta gris, neutra, un mundo apagado cromáticamente, mientras que el mundo de ultratumba sea una explosión de colores que raya lo psicodélico, lo alegre, en permanente fiesta.

Corpse Bride es una fascinante historia de corte gótico y romántico, ambientada a finales del siglo XIX, que vuelve a sorprender por su fino trabajo de animación en stop-motion, y que erige a Burton como uno de los escasos cineastas que todavía tienen fe en esta antigua técnica, tan disfrutable e impresionante como las modernas técnicas de animación digital en 3D.

La idea argumental es tan cómica como espeluznante. Victor Van Dort (voz de Johnny Deep), joven tímido y torpe, aunque bastante talentoso y romántico (escribe, toca el piano), contraerá pronto matrimonio con Victoria Everglot (voz de Emily Watson). Ambos son de familias adineradas, y su boda no es más que por conveniencia de sus padres: los amargados y cariduros Van Dort (voces de Tracey Ullman y Paul Withe House), y los inocentes y más nobles Everglot (voces de Joanna Lumley y Albert Finney). Mientras repasa sus líneas, accidentalmente le colocará el anillo a una esquelética mano, perteneciente al cadáver de una chica vestida de novia (voz de Helena Bonham Carter), quien se declarará a sí misma como esposa del confundido Victor.

El mundo de los muertos, casi todos ellos unos simpáticos esqueletos vivientes (el mismo Burton se confiesa influido por el arte mexicano del Día de los Muertos), en Corpse Bride parecerá una extensión animada de Beetle Juice (1988), del mismo Burton, con todo su humor negro, desenfado e irreverencia. En ese universo reside el espíritu de la cinta...
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La última obra animada de Tim Burton en stop-motion fue Corpse Bride (2005), la cual se exhibió con mucho éxito en el Festival de Sitges 2005. Por ello, vale recordar otra de sus grandes creaciones, The Nightmare Before Christmas (1993), que se reestrena en una versión digitalizada y en tercera dimensión. Basada en una historia y personajes creados por el mismo Burton, concebidos para un libro infantil (que todavía se puede conseguir), el realizador decidió desempolvar los dibujos originales con los que ilustró dicho libro para llevarlo al cine, dejando la dirección a Henry Selick, quien más tarde plasmaría lo que le dejó esta experiencia en Jim and the Giant Peach (1996), basada en el libro de Roal Dahl.

The Nightmare Before Christmas quedó así como un divertido filme musical (aspecto magistralmente llevado por Danny Elfman), realizado con la fina técnica de animación característica de Selick, cargada de humor negro gracias a su retorcida burla hacia la Navidad, desde el punto de vista de una festividad diametralmente opuesta: el Día de Brujas o Halloween. Dichos mundos chocan en el filme, cuando el protagonista, el carismático Jack (voz de Chris Sarandon y Danny Elfman), un esqueleto alegre e inteligente, harto de que todos los habitantes de Halloween lo idolatren como líder del caótico y obscuro pueblo, donde habitan monstruos, vampiros y brujas. En esencia, lo que desea Jack es salir de ahí, cambiar de aires y conocer otros mundos, sin darse cuenta que en Halloween hay un frágil y ?bello? ser amándolo en secreto, Sally (voz de Catherine O?Hara), especie de pariente lejana del monstruo Frankenstein, que vive bajo el dominio de su creador, el Dr. Finkelstein.

En su momento pieza clave del que podría llamarse ?nuevo cine animado en stop motion?, la cinta ha ido reestrenándose también en otros países, como E.U., el Reino Unido y México. Lo que constataremos en The Nightmare Before Christmas, es que el Halloween puede ser tan alegre como la Navidad, algo en lo que Jack repara al abrir los ojos y darse cuenta de su error, en su intento de ser distinto y querer cambiar a sus paisanos. Burton enseña en su relato original (como en Corpse Bride), que el mundo de ultratumba no es tan feo como parece, un mundo en donde pueden convivir la música, el color y la diversión.
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Blueberry es un popular cómic en Francia, creado por Jean Michel Charlier y con dibujos del famoso Jean "Moebius" Giraud. El cómic narra las aventuras por el salvaje oeste de un "renegado", el Blueberry del título. El holandés Jan Kounen (responsable también de Doberman), se encarga de adaptar por primera vez al cine Blueberry, luego de un largo proceso de preproducción en el que el realizador se documentó, exhaustivamente, respecto al chamanismo. Todo empezó con su documental Other Worlds, en el que Kounen abordó el tema de las artes indígenas relacionadas con las hierbas alucinógenas y los estados alterados de consciencia, incluyendo la lectura de "Las enseñanzas de Don Juan". Tal vez después de leer esto, Blueberry, conocida también como Renegade (2004) no suene como cualquier western tradicional. En realidad, no lo es.

La película tiene varios cameos (Vahina Giocante, Tcheky Karyo, Djimon Hounsou) , y es un regreso a las raíces del spaghetti western, con elementos que recuerdan a Sergio Leone y su trilogía de "los dólares". Las locaciones son magníficas, que van desde los estados de Chihuahua, Coahuila y Durango en México (¿Por qué nunca se habrá estrenado en este país?), así como en Almeria, España, donde Leone rodó muchos de sus westerns. Lo cierto, es que no había visto en mucho tiempo un western tan adrenalínico, cinemático e impecablemente producido como este, en el que Kounen, desde el inicio, consiguió engancharme con una historia de venganza plena de misticismo.
Con todo, muchos críticos no recibieron bien a Blueberry. Es cierto, al inicio se siente cargada de personajes que desaparecen sin razón. Pero al menos para quien esto escribe, la película no nada más tiene una parte artística por demás apreciable, sino que es endiabladamente entretenida. Y Kounen ya se prepara para traer de vuelta al cine a un personaje famoso de la literatura francesa, Fantomas
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Lo primero que llama la atención en Despicable Me (2010), es su personaje principal. Puede sonar muy obvio, pero hay ocasiones en que el personaje principal de una película animada, puede pasar completamente desapercibido, o ser opacado por algún secundario. En Despicable Me, el personaje principal es un villano de nombre Gru (genial Steve Carell), y como tal es toda una creación, no nada más visualmente, sino en toda su personalidad. A primera vista parece el tío Fester de "The Adams Family", pero de nariz ganchuda, alto y de semblante escabroso. Sabemos de él lo suficiente, o más bien, lo necesario. No sabemos a ciencia cierta de dónde proviene, pero su acento suena ruso. Aunque su madre (voz de Julie Andrews) suena perfectamente normal.

Contrario a Megamind, no hay superheroes aquí, sólo villanos peleando entre sí. No hay buenos ni malos, sólo un par de egos compitiendo entre sí. Aunque tal vez no sea del todo cierto ésto último. Despicable Me es la historia de un villano en camino hacia la redención, gracias a que unas niñas llegan a despertar una parte sensible oculta dentro de él. Si hay héroes -o heroínas- en Despicable Me, esas son Agnes, Edith y Margo.
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The Elephant Man (1980) está basada en hechos reales. John Merrick (John Hurt extraordinario bajo kilos de maquillaje), su protagonista, existió en la segunda mitad del siglo XIX, llevando una tortuosa vida como atracción de circo. Aunque de lejos parece uno más de los monstruos de la Universal, el caso es que el filme de David Lynch está más cerca de la tradición de la británica Hammer Films, pero estéticamente cuidado, bello en su fotografía y con un sensible tratamiento de su historia y personajes.

John Merrick pide nuestra comprensión y complicidad cuando grita desesperadamente ?No soy un animal, soy un ser humano,... soy un hombre?, en una famosa escena cuando trata de escapar de una multitud enardecida. A lo largo del filme, no tenemos más remedio que pasar del horror a la conmiseración, del terror a la piedad, de la lástima a la admiración, por un ser que detrás de su deforme apariencia, causada por lo que en el presente se diagnosticó como una ?neurofibromatosis?, esconde una genialidad inusitada, una inteligencia admirable.

Merrick sufría incluso por no poder dormir como un ser humano normal, ya que moriría asfixiado por el peso de su enorme cabeza. Basada en el libro escrito por el mismo Dr. Treves y Ashley Montagu, en la película descubrimos el mundo desde la inocente mirada de Merrick, somos testigos de una admirable creación que logra usando sólo sus deformes manos: una iglesia a escala que construye con cerillas, que copia a detalle y de memoria de la original que tiene frente a su habitación, una muestra de que fue demasiado grande para el mundo.
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Lo que distingue a Master and Commander: The Far Side of the World (2003), es la gran habilidad de Peter Weir, su realizador, para mantener interesante una trama que se desarrolla, la mayor parte del tiempo, a bordo del viejo aunque veloz barco ?Surprise?, y emocionar al espectador con batallas navales impresionantes y bien dirigidas.

El año es 1805, en plena época de las guerras napoleónicas. El océano Atlántico es el principal escenario. El ?Surprise? queda casi destruido después del enfrentamiento contra un barco francés en una de las mejores escenas del filme, ocasión además para ser presentados, en escasos 20 minutos, la rígida y bien establecida diferenciación de los rangos marinos: desde jovencitos grumetes hasta generales, quienes necesitaban gritar a viva voz su rango para no ser confundidos entre la gran tripulación, presa del pánico.

Mientras, afuera en alta mar, tiene lugar la persecución naval de Aubrey contra el barco francés, mayor en tamaño y mejor armado, travesía que lo llevará hasta las Islas Galápagos (según se dice, es la primera vez que ahí se filma una película). El filme de Weir es un entretenido relato de aventuras navales, atractivo en una ambientación de época que roza la perfección y, lo mejor, el diseño de producción, en esa enorme reconstrucción de los barcos de la era napoleónica.
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No sé qué tan satisfecho habrá quedado Alan Moore con la adaptación al cine de From Hell, su novela gráfica sobre Jack The Ripper. No creo que haya tenido mucho de qué quejarse. En manos de los hermanos Albert y Allen Hughes, realizadores no muy prolíficos, creo que la película es una versión corregida y aumentada de la acromática obra de Moore. El cómic original está realizado con una técnica rudimentaria de dibujo, a tinta china y sin color.



?Un dia los hombres mirarán para atrás y dirán que yo di nacimiento al siglo XX", con esta frase dicha por el verdadero Jack The Ripper, abre una película que resulta una soberbia traducción visual del lenguaje de un cómic al cine. From Hell es una historia de corte gótico, con elementos clave de la literatura de horror del siglo XIX. El Jack The Ripper de los hermanos Hugues, es también un poco el "Dr. Jeckyll y Mr. Hyde", personaje creado por Robert Louis Stevenson en su novela homónima. El nombre del personaje principal femenino, Mary Kelly (Heather Graham, guapa de pelirroja), una prostituta de los barrios bajos de Londres, está inspirado en "Mary Reilly", empleada doméstica en la casa del Dr. Jeckyll y que aparece en la novela escrita por Valerie Martin. Aunque también tengo entendido que Mary J. Kelly es el nombre de una verdadera víctima de Jack The Ripper.
From Hell es una película con elementos de thriller policiaco moderno, ambientado en la época victoriana, con investigaciones forenses, corrupción policiaca, intrigas políticas, etc., todo con un toque paranormal y fantástico, que visualmente se nutre de la estética del cómic contemporáneo.
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