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Det Sjunde inseglet es uno de los filmes más reconocidos del realizador sueco Ingmar Bergman; se trata de una aclamada cinta de carácter introspectivo cargada de símbolos y metáforas filosóficas.

La trama narra el retorno de Antonius Block, un noble europeo, y su escudero Jöns a su tierra tras luchar en la cruzada por Tierra Santa; solo para encontrar un país devastado por la peste negra. Es entonces que el caballero es abordado por la Muerte, a la que reta a una partida de ajedrez por su vida, tratando de ganar tiempo para resolver las dudas que lo aquejan.
Una joven familia de actores circenses se une a Block y a Jöns en su camino mientras el primero trata de encontrar las respuestas que necesita antes de terminar su partida contra la Muerte.

El primer punto a resaltar dentro de la película de Bergman es la asombrosa forma en que se utilizan los recursos cinematográficos para llevar a la pantalla la Europa medieval durante la pandemia que significó para quienes vivieron en ese entonces el fin de la humanidad. La ambientación en esta realidad es importante pues contribuye a llevar los sentimientos de muerte y desesperanza lo más alto posible y convierte a la búsqueda del caballero en una justa desesperada por darle sentido a la vida y al fin de ésta.

Contrario a otras obras donde el autor trata de responder preguntas ajenas, Bergman utiliza Det Sjunde inseglet para reflejar sus propias dudas filosóficas y teológicas. El tema principal de la cinta es el camino del hombre para encontrar a Dios; lo cual se sintetiza de forma soberbia en el diálogo de Block con la Muerte en el confesionario. Lo único que el caballero pide a Dios es una señal que lo haga creer, que le demuestre que la vida no es absurda y que hay diferencia entre el todo y la nada; pero Dios permanece callado y, por más que el caballero trata de retrasar su muerte para demostrarse a si mismo que todo lo que ha vivido a valido la pena, el camino se hace más corto y la única respuesta válida parece ser que no existe una respuesta a su pregunta.

En un mundo donde las personas ven a Dios incluso en la enfermedad que consume al mundo, Antonius Block se pregunta desesperado que es lo que pasará con él que, por más que trata, no puede creer sin tener evidencias. Det Sjunde inseglet es una reflexión desalentadora sobre la existencia, sobre la vida y sobre la muerte; un desalentador mensaje nihilista en la forma un trágico grito desgarrador.

Más allá de su tono sombrío y su ritmo pausado, el trabajo de dirección está presente en todos los ámbitos de la película; el guión presenta una estructura sólida que promueve el desenvolvimiento de los personajes a la par de los acontecimientos retratados. La fotografía, en blanco y negro, utiliza el contraste entre estos dos colores para reforzar el sentimiento de desolación; mientras el trabajo de cámara es responsable de entregarnos una de las fotografías más icónicas de la historia del cine.
La fuerza de la película recae en gran medida en las imágenes mostradas; desde la tenebrosa manifestación de la muerte hasta la sobria belleza de un ave sostenida por las corrientes de aire, cerrando la obra con una de las escenas mejor concebidas. La música es un elemento a resaltar debido a la forma magistral en la que cada pieza es usada tanto como parte de la ambientación como símbolo y parte de la introspección del filme.

Las escenas son memorables y, aún hoy, poseen un impacto al que pocas películas se han podido acercar; los personajes están desarrollados de forma magistral y su interpretación pulcra contribuye al logro avasallador que representa la cinta. Los extraordinarios diálogos y todo el desarrollo de la trama nos conducen al final menos esperado con el terror nacido de nuestro miedo primigenio al vacío y a la nada.

Det Sjunde inseglet es una obra maestra sin precedentes que toma elementos del expresionismo cinematográfico y del más puro surrealismo para llevar al espectador ante la concepción verdadera del fin. Un logro artístico tan alto como pudo haber sido alcanzado y una cinta misteriosa, hipnótica y mordaz como ninguna otra.

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Wow... que película tan impresionante; impactante pero indudablemente hermosa.

Naranja Mecánica es una historia distópica sobre un joven pandillero, líder de una banda de "droogs" y poseedor de un gusto inmenso por la música (especialmente Beethoven) y por la ultra violencia.
Alex es enjuiciado por homicidio, pero decide cambiar una gran parte de su sentancia por la oportunidad de ser sujeto experimental del Tratamiento Ludovico "La Cura del Mal"

De algún modo se puede decir que el tratamiento tiene éxito, pues Alex se ve obligado a dejar la violencia, pero a costa de su libertad.
La obra maestra de Stanley Kubrick nos pone en una encrucijada ¿Qué es mejor, ser bueno de forma mecánica o malo por convicción? esta película nos muestra a un joven ¿víctima o victimario? ¿enfermo o equivocado?.
y se puede resumir el argumento en una frase: Cuando un hombre deja de ser capaz de escoger, deja también de ser un hombre.

Palabras sabias de un sacerdote que sin embargo Alex no puede entender debido a que el hombre de fé las enmarca en algo tan obsoleto y tan ausente de significado como la religión; y es que Alex estaba completamente solo, nunca había amado a alguien, ni siquiera a él mismo; y en algún momento de la película es rechazado tanto por sus camaradas como por su única familia.

Lo primero que se puede notar de la película es su espléndido poder gráfico, escena tras escena se puede ver la mano invisible de Kubrick tomando el control de luces, patrones y ángulos, creando una simetría fascinante y algunas de las mejores escenas jamás rodadas.
La música por otro lado es sublime, siendo parte escencial de la película y embonando perfectamente con todos los demás elementos del filme.

No menos impresionante es la actuación, siendo Alex de Large uno de los personajes mejor construidos de la historia del cine, un villano justificado por sus medios y un personaje fascinante producto de un mundo decadente, funcionando además de forma excelente el estilo de narrador en 1era persona que le da fluidez a la película y crea empatía con el protagonista.

Una película muy dura, con escenas sumamante explícitas que sin embargo son manejadas de forma tan artísticas que en ningún momento causan repulsión, manteniendo lejos la estética de grupos como el Movimiento Pánico; siendo así, la violencia, un énfasis en el mensaje y no un choque brutal sin ningún sentido más que el estético (aunque también logra estética)

Una de las mejores películas que he visto y una pieza que muestra el genio de un hombre como Kubrick, que nació para hacer cine; pieza fundamental de la cinematografía mundial y logro en todos los aspectos.

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The Godfather es una de las películas más aclamadas de la historia del cine estadounidense; se trata de una adaptación de la novela del mismo nombre escrita por Mario Puzo. Considerada como una de las mejores cintas jamás filmadas, este drama sobre la mafia dirigido por Francis Ford Coppola representa una influencia mayor en el trabajo de un gran número de cineastas y una piedra angular para el séptimo arte.

El filme narra la vejez del patriarca de la familia Corleone, una poderosa dinastía de la mafia siciliana en Nueva York. Después de rechazar una lucrativa propuesta de incursionar en el tráfico de drogas, Don Vito Corleone sufre un atentado a manos de hombres de una familia rival y sus hijos deben tomar control del negocio familiar mientras el Padrino se recupera de sus heridas. En primera instancia, Sonny, su hijo mayor, toma control del emporio criminal asesorado por su hermanastro Tom; consejero y abogado de Vito. Mientras tanto; Michael, hijo menor de Don Corleone, quien permanecía renuente a participar en los negocios de la familia, asesina a los atacantes de su padre y se refugia en Sicilia por órdenes de Sonny y de Tom, casándose con una muchacha y descubriendo las raíces de su familia.

Las acciones de Michael en Nueva York provocan una sangrienta guerra entre las cinco principales familias criminales de la ciudad. Sonny muere al ser traicionado por el esposo de su hermana y, tras regresar a su casa, Vito organiza una reunión con los capos de las Cinco Familias; tras la cual previene a Michael, recién regresado de Italia tras la muerte de su esposa, de la posibilidad de un traidor dentro de la familia. Michael se casa entonces con Kay, quien fuera su novia antes de que él entrara al negocio familiar; y, pese a las primeras intenciones de su padre, lo sustituye como Don al retirarse éste. El nuevo patriarca de los Corleone decide mover a la familia a Nevada para adentrarse más al negocio de los casinos y, después de la muerte de su padre por un ataque al corazón, se encarga de mandar matar a los jefes de las Cinco Familias; con lo que posiciona a la familia Corleone como la organización criminal más poderosa del país.

Más aún que retratar los negocios criminales de la Cosa Nostra,The Godfather nos presenta un drama familiar tan humano y profundo como alguna vez ha sido mostrado en pantalla. Todos los personajes que constituyen a la familia Corleone están cuidadosamente construidos en sus acciones y personalidad al rededor de motivaciones sensibles. Aunque el filme se plantea diversos problemas éticos, renuncia a tomar una posición moralista en torno a las situaciones presentadas. Es así que Coppola evita el enfoque tradicional del cine de crimen y mafia en que la maldad y la virtud se reducen a la pertenencia a alguno de los dos bandos disponibles para mostrarnos a la dinastía Corleone, interpretada por un elenco inmejorable, al modo en que el jefe de la familia protege a los suyos, a su clan y a sus tradiciones a través de la fuerza.

La trama nos muestra a una cultura distinta, regida por valores tan inalterables como la lealtad y la responsabilidad, donde el fin del ser humano es ocupar su lugar en la familia y luchar para proteger a sus seres queridos; una cultura donde cada individuo termina haciendo simplemento lo que tiene que hacer para cuidar de los suyos, recurriendo a cualquier medio necesario para lograrlo. El mundo donde viven los Corleone es uno rodeado de corrupción y podredumbre, la sociedad es presentada como una estructura hipócrita y carente de bases morales, la Mafia representa un regreso a un mundo más sencillo pero´más honesto; uno que, entre su brutalidad y salvajismo, ofrece devolver al hombre los ritos y estructuras que sacrificó por la modernidad y el progreso.

El estilo narrativo de la cinta se antoja teatral por su punto de vista externo que hace al espectador un testigo discreto de las acciones de los protagonistas. La estructura del guión es generalmente lineal y, aunque la acción está determinada por las situaciones presentadas, el desarrollo de personajes es determinante, remembrando también a las tragedias clásicas es este aspecto. El guión está construido detalladamente y consigue un equilibrio inusual entre el realismo y las licencias de estilo. El tono de la película es coherente durante el desenvolvimiento de la trama; mientras que el ritmo fluctúa de acuerdo a la naturaleza de la acción, sobreponiéndose a la extensa duración de la cinta por un trabajo de edición intachable. La dirección es igualmente ambiciosa y logra mantenerse a través de un uso extraordinario de los recursos cinematográficos y una conjunción de los lenguajes épico y dramático aplicada a los códigos del cine.

La dirección de arte es uno de los puntos más fuertes de la cinta, con un estilo plenamente definido suficientemente estilizado para edificar una propuesta estética pero alejado de la hiperestilización y del culto a la imagen. La fotografía es excelente, oscura pero saturada y con una paleta de rojos y cafés; lo que aunado a un trabajo de cámara cuidadoso en todos los aspectos ofrece un apartado visual destacado. La música es, de igual modo, excelente y contribuye a establecer la, de por sí excelente, atmósfera de la película.

Por su gran uso del lenguaje cinematográfico y su excelencia en todos los aspectos, The Godfather es considerada con justicia una de las mejores películas alguna vez creadas; una de las películas más influyentes de la historia y el cine de estudio estadounidense en su punto más alto. La obra de Coppola es un ejemplo abrumador de buen cine y un hito absoluto en la historia del arte cinematográfico.

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Al fin una adaptación perfecta del libro de Lewis Carroll; perfecta no porque transcriba el libro exactamente igual, al fin y al cabo son artes diferentes, sino porque el ambiente creado es el más afín con el del autor.

Neco z Alenky es una versión extremadamente creativa del mundo creado en los libros de Alicia, donde la oruga no es más que un inquietante calcetín que se coce ojos y se pone una dentadura.

En esta perturbadora visión se utiliza recurrentemente el elemento del Stop-Motion, dándole una apariencia de realidad absurda o de fantasía posible.
Es necesario decir que el efecto es apoyado por Alice, la única actriz "humana" que aparece en la película, que con su familiaridad con el disparate y su falta de reacción ante los insólitos acontecimientos, logra sumergir al espectador.

Alicia es una niña aburrida que mientras descansa en un sótano repleto de objetos extraños,cráneos de animales, insectos en repisas y un conejo disecado, ve al mismo animalito muerto desclavarse de su base, sacarse un reloj del pecho de acerrín y salir corriendo hacia un gabinete en un desierto.

La película está cargada de elementos surrealistas, casi todos relacionados a animales muertos, quizá ligando al viaje de Alice como un trauma respecto a la vida y la muerte; más posiblemente un proceso de madurez que comienza al atravezar el cajón del pupitre.

La perfecta conjuncion entre la peculiar visión del director y el extraño tratado de lógica-matemática de Carroll.

Sumamente inquietante.

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Viskningar och Rop es una película dirigida por el reconocido autor sueco Ingmar Bergma; se trata de un drama único que utiliza un lenguaje cinematográfico desarrollado al extremo para relatar los últimos días de una mujer enferma y su conflictiva familia.

La trama nos presenta la agonía de Agnes, quien pasa las semanas anteriores a su muerte bajo el cuidado de sus hermanas Karin y Maria y de su sirvienta Anna. El lento proceso que lleva a Agnes ante el umbral de la muerte está acompañado por la convivencia forzada de sus hermanas, presumiblemente la única familia que le queda y hacia las que guarda resentimiento por problemas de la infancia. Maria y Karin son tan extrañas hacia Agnes como lo son entre si; Karin es una mujer fría y renuente al contacto físico de cualquier tipo, mientras que Maria es una mujer alguna vez hermosa que vive de apariencias y de acciones fortuitas. Por otro lado, Anna es la única mujer que realmente consigue amarla, debido a que le película concibe al amor como una responsabilidad y una carga en lugar de un privilegio o algo gratuito, y esto es porque la sirvienta trata de llenar con la figura de Agnes el espacio que dejó en su corazón la muerte de su hija. El amor como un peso para el que ama es un tema que se manifiesta en la escena de la resurrección de Agnes, una secuencia posiblemente onírica.

Esta cinta está conformada por recuerdos y secuencias en presente prácticamente indistinguibles entre si. Esta obra también está caracterizada por el gran realismo pictórico que se logra a través de los diálogos, pero sobre todo, de la fotografía; la cual utiliza una concentración alta de color y una predominancia clara del rojo en las escenas de interior, la mayoría, para reflejar un sentimiento de angustia constante y desesperanza.

Las imágenes crudas del sufrimiento de la protagonista, las reacciones emocionales de las tres mujeres a su alrededor y la combinación de música y silencio llevan a la creación de un ambiente absoluto de desolación. La muerte no parece ser más que el fin del camino, un último proceso que nos lleva al vacío y al fin de la existencia; la vida no tiene sentido pues la muerte es un axioma que demuestra lo absurdo de la esperanza.

Y, aún así, Agnes escribe en su diario una anotación final y nos hace pensar que, aún sabiendo que todo en la vida nos lleva inevitablemente hacia la nada, el simple hecho de conocer la felicidad plena aunque sea una vez hacen que todo valga la pena. Y, para sorpresa del espectador, el mensaje se invierte en la escena final del filme: todo es relativo al sentido de la vida, incluyendo la muerte y la mentira.

A todas luces, Viskningar och Rop es un logro descomunal; un trabajo profundamente reflexivo, psicológico y filosófico que utiliza de forma asombrosa todos los elementos que el cine pone a disposición del autor para llevar a la obra a un plano mayor. La fotografía, la música, la actuación, el guión y el diseño de las escenas convergen en perfecto orden para hacer mayor el impacto emocional que la película llega a causar en el espectador.

La dirección de Ingmar Bergman es tanto acertada como estilizada y logra mantener el tono y el ritmo de las secuencias desde el principio hasta el asombroso final. La cinta utiliza subtonos masoquistas e impulsos sexuales reprimidos violentamente para llevar el tono al punto más sobrecogedor posible; incluso el título, traducido como "Gritos y Susurros", describe bien la película desde distintos ángulos y parece hacer referencia la combinación bien mesurada de silencios con diálogos y música que es presentada e el filme.

Viskningar och Rop es una cinta que lleva al cine tan lejos como ha sido llevado; una maravilla técnica bien ejecutada que utiliza el lenguaje cinematográfico para llevar a quien la ve al borde de sus sentimientos y sus reflexiones. Prácticamente sin falla.

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Los Olvidados, una de las obras cumbres de la etapa mexicana del genial director Luis Buñuel, un filoso ensayo sobre la miseria en las grandes ciudades y uno de los trabajos neorrealistas que no abundan en su filmografía.

Este filme narra las vivencias y desventuras de Pedro, un niño pobre de un cinturón de miseria en la ciudad de México, que por más que intenta ser buena persona y conseguir el cariño de su madre es sumergido hacia la violencia debido a la necesidad y a influencias negativas.

Una obra maestra de la mano de Luis Buñuel, una película que no se limita a mostrar la miseria, sino que plantea el origen de la maldad en ésta, donde el instinto de supervivencia del ser humano lo hace retornar a su estado primitivo.

Una historia muy bien cuidada con actuaciones creíbles (obre todo el personaje de Pedro es muy bien retratado) y una dirección sumamente cuidadosa.
Una magistral película que no envejece con los años y se siente más vigente que cuándo salió.

Es además un genial ensayo sobre el origen de los actos inmorales que, como era de esperarse del aragonés, lo ubica en la sociedad corrupta.
Como en toda la corriente neorrealista, la música es casi prescindible, y es en la iluminación y en los personajes que recae el peso de la trama.



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La Double Vie de Véronique es una cinta dirigida por Krzysztof Kieslowski; se trata de la obra intermedia que separa sus etapas polaca y francesa. El filme mezcla elementos fantásticos en una premisa inusual filmada al más puro estilo del cineasta polaco.

La trama nos presenta a dos mujeres de la misma edad, de la misma apariencia, similar contexto familiar, el mismo problema cardiaco e iguales dotes en el canto: Weronika y Véronique, ambas interpretadas por la virtuosa Irène Jacob. Una es polaca y vive en Cracovia, la otra es francesa y vive en París; sin embargo, y, aunque nunca se han visto, parece existir un lazo inexplicable entre ambas.

Weronika viaja a Varsovia para cuidar a su tía enferma y consigue sin buscarlo un puesto principal en una compañía de canto. Aquejada gravemente por su enfermedad, la muchacha sufre un infarto y muere a mitad de su presentación inaugural. Del otro lado del continente, Véronique se sobresalta mientras hace el amor; siente súbitamente un vacío inmenso y, por alguna razón desconocida para ella, corta de tajo su incipiente carrera como cantante. Véronique se obsesiona con un misterioso titiritero que, a base de acertijos, la hace encontrarse con él en un café donde, para desazón de la joven, le revela que todo era un experimento para saber si funcionaría su nuevo libro.

Aún así, Véronique consigue perdonarlo y revela su amor en una noche apasionada. El artista descubre una foto de Weronika entre las tomadas por la muchacha en su viaje por Europa del Este y escribe una pequeña historia sobre "La Doble vida de Véronique", a lo que la parisina reacciona rompiendo en llanto.

La Double Vie de Véronique es una cinta desarrollada en torno a sus personajes principales. Sin embargo, los escasos diálogos y la acción ausente nos impiden conocer a ambas Verónicas. Lo que Kieslowski busca retratar no es la personalidad de sus personajes; sino que recae en las emociones y en la expresividad de Irène Jacob para develar el alma de las dos mujeres. Una como reflejo de la otra, Véronique y Weronika son mujeres solitarias e introvertidas, en el sexo y en la música son sensibles a los estímulos de la pasión y la viven con igual intensidad.

El filme recurre a una premisa argumental fantástica y a una atmósfera irreal delicadamente construida para denotar la absoluta soledad del ser humano. Kieslowski utiliza el recurso de la pérdida para hacer sentir al espectador su estado natural en la incertidumbre y el aislamiento además de su paradójica relación causal con los otros.

No es riesgoso decir que La Double Vie de Véronique manifiesta el asombroso manejo y conocimiento de su autor sobre el lenguaje cinematográfico. La película de Kieslowski está constituida por una dirección introspectiva y un ambiente casi poético. El realizador no busca mostrar una sucesión directa de acontecimientos, sólo se interesa en las emociones; mientras que la edición deja diversos cabos sueltos para dar profundidad al universo creado.

La dirección usual de Kieslowski dota a la película de un ritmo particularmente lento que puede distanciar fácilmente al espectador demasiado acostumbrado al acelerado ir de la mayoría del cine de evasión. La Double Vie de Véronique es un filme bastante intimista en que las evidencias ambiguas que Kieslowski deja en ambas historias se configuran ante el espectador no como un rompecabezas que armar, sino como un caleidoscopio al que simplemente se puede contemplar.

La cinta tiene una destacada dirección de arte, origen de algunas imágenes memorables. La fotografía es cuidadosa y coadyuva a la definición de la atmósfera mágica de la película mediante el uso de filtros cromáticos amarillos. La cámara evidencia un trabajo notablemente ambicioso que experimenta con ángulos creativos y distintas técnicas cinematográficas y que consigue un resultado más que destacado. Aunque presenta el interesante uso del silencio que es común en otras cintas de su director, La Double Vie de Véronique tiene una banda sonora excelente y la música tiene una función narrativa muy importante para el desarrollo de la trama, marcando el paso del filme.

Con un legado que resuena en trabajos tan significativos como Le fabuleux destin d'Amélie Poulain, La Double Vie de Véronique es una obra maestra del cine contemporáneo. Es un filme con fondo y forma, estilizado y dedicadamente constituido que retrata las inquietudes de su autor sin caer en la arrogancia ni en el preciocismo; se trata también de una cinta emotiva que utiliza los códigos del cine para hablar al espectador con su propio idioma.

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En Der Himmel über Berlin Wim Wenders nos entrega tanto un profundo drama psicológico como el retrato de una ciudad devorada por su pasado y, asombrosamente, los dos funcionan perfectamente como un todo.



En esta película alemana se nos muestra a la ciudad de Berlín de los años 80's, donde dos ángeles atestiguan los pensamientos y sentimientos de los habitantes de una ciudad donde las heridas de la guerra aún están abiertas.

Damiel, uno de los ángeles, se siente intrigado y fascinado por las cosas más sencillas de la existencia humana y, mientras más entra en contacto con las dudas existenciales y los problemas que aquejan al pueblo en depresión, comienza a desear ser humano.

Este deseo se convierte en una necesidad cuando se enamora de una trapecista que, al perder su trabajo, se da cuenta de que su vida no tiene razón alguna; es entonces que Damiel deberá decidir entre su existencia inmortal y perfecta como un ángel "a orillas del río" o la posibilidad de adentrarse en éste y tal vez ser feliz.



Técnicamente hablando, Der Himmel über Berlin llega tan alto como el cine mismo ha llegado; presenta una dirección tanto impecable como tangible en cada momento del filme, por otro lado el guión es sumamente sencillo y ronda alrededor de conceptos que parecen inconexos pero que adquieren significado con el transcurso de los acontecimientos, como un poema que relaciona la infancia con la edad adulta y que es recitado por fragmentos durante toda la película.

El trabajo de edición funciona bastante bien, aunque la película no está excenta de un toque de redundancia que, sin embargo, es obviado por las demás características de la cinta; entre las que destacan la hechizante fotografía (sepia para las escenas vistas por los ángeles y a color en las que solo aparecen personas), un soundtrack sumamente variado que nos hace sentir en el corazón mismo de la ciudad y actuaciones protagónicas cercanas a la perfección.



Más allá del profuno análisis que Wenders hace sobre sus personajes, en esta película se cuestiona la ambiguedad del ser humano, que vive en lo profano rechazando lo sublime y olvida que también en la mundanidad de la vida existe la perfección. Como ya mencioné antes, en el filme se nos presentan las diferencias y similitides entre el adulto y el niño, donde éste está seguro de lo que cree y de quien es.



Der Himmel über Berlin reflexiona también sobre el origen de la guerra y, como cada persona se ve a si misma como un país con su propia frontera, la agresión consiste simplemente en acercarse demasiado o en ver a alguien tratar de ser diferente. Pero es hasta la escena final de la película donde tanto el ángel como la trapecistas logran estar juntos al estar solos, cambiando su colectividad por individualidad.



El mensaje principal de la película, sin embargo, nos dice que la vida tiene valor por cosas que normalmente ignoramos, por lo que si en lo mayor eres ínfimo en lo pequeño puedes hallar la grandeza.



En conjunto, tenemos frente a nuestros ojos una de las mayores joyas del cine europeo de hace unas décadas, una película que se aleja de pretensiones superfluas y muestra sus reflexiones con arte y poesía en cada imagen y en cada palabra.



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Siendo un admirador del cine surreal y habiendo disfrutado del trabajo del director checo Jan Svankmajer no esperaba algo realmente diferente al ver Sileni, película checa del 2005 en la que Svankmajer homenajea tanto a Edgar Allan Poe como al Marqués de Sade; sobra decir que mi prejuicio era un gran error.

Jean Barlot es un hombre solitario y atormentado por un miedo obsesivo a perder la razón que viaja al campo debido a la muerte de su madre, una enferma mental. El joven se hospeda en una posada, donde durante la noche tiene el sueño recurrente en el que es amarrado con una camisa de fuerza; Berlot, desesperado, destruye su cuarto en la posada ante la mirada atónita del posadero y de los demás inquilinos.

Por la mañana un misterioso Marqués paga los daños ocasionados a la habitación y por una extraña sucesión de acontecimientos termina hospedándolo en su casa, donde Berlot atestiguará la más blasfema de las misas negras (escena realmente sorprendente, que lleva el surrealismo al límite con lo grotesco) asustado por el descubrimiento; Berlot cuestiona a su anfitrión por sus herejías, el marqués responde entonces con un discurso sumamente interesante que resume las bases del nihilismo visto como una crítica extrema a la religión; tras la cual el noble aparentemente muere asfixiado, por lo que tanto Berlot como el sirviente mudo del Marqués sepultan al difunto en su cripta familiar y montan guardia en el cementerio, solo para ver al Marqués vivo en la mañana.

Berlot se entera entonces del tratamiento psiquiátrico del Marqués, y tras sufrir otro ataque de histeria, el invitado accede a conocer al psiquiatra amigo de su anfitrión en su manicomio.
La escena del manicomio del Dr. Murlloppe es uno de los cuadros más absurdos jamás filmados, con las gallinas como símbolo principal de una locura expresada tanto por los pacientes como por el excéntrico director.

Es en ese ambiente bizarro, el manicomio gobernado por los locos, que Berlot se enamora de una joven enfermera llamada Charlotte (que vió por primera vez en la ceremonia satánica del marqués), Charlotte le dice que el manicomio actual es consecuencia de un motín por parte de los pacientes y que el verdadero director del hospital y sus empleados están encerrados en el sótano desde hace un año.

Es entonces que Charlotte consigue sacar del hospital a Murlloppe y al Marqués, tiempo que Berlot utiliza para liberar a los doctores cautivos, los cuales terminana a golpes con la libertad de los pacientes y toman control del hospital capturando a los hombres resonsables de la locura (Murlloppe y el Marqués).

Berlot poco a poco descubre que los métodos del Dr. Coulmiere, el nuevo y cristiano director del manicomio, consisten en castigo físico aplicado progresivamente para "sanar" las enfermedades mentales, descubre también que su enamorada y el director son fanáticos de las parafilias, y que los cuerdos que lo salvaron de los locos están igual de locos.

La conclusión de la película es atormentadora; no importa nada, ni la ideología, ni la libertad, ni la razón todo nos lleva a la misma locura y tal vez el único escape es la total insania.

Una película visualmente grotesca y que permanece fiel al estilo gráfico de Svankmajer, es densa y el absurdo es un recurso tentador pero Svankmajer logra llevar el mensaje al espectador perfectamente sin abusar de los elementos surreales, no alcanza ni visualmente ni en simbolismo a Neco z Alenky pero logra llevar la reflexión en una historia bien narrada sin perder con ello su estilo característico.
A pesar de ser cansada y por momentos lenta, Sileni es una película satisfactoria en todos los sentidos aunque, como cualquier cosa inspirada por Sade, no es apta para muchas personas.

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Buñuel en su máxima expresión, Viridiana es el más profundo análisis a la infructífera caridad cristiana, en donde se da con un mocho afán por dar.

Injustamente prohibida durante años, Viridiana es, sin importar el credo de quién la vea, una muestra de arte que cualquier cinéfilo debería de haber visto.

La mejor actuación en la carrera de Silvia Pinal enmarca una pleícula cargada de símbolos, donde todos los personajes son una vez más los "títeres" que usa Buñuel para llegar a su conclusión.

Una de las pocas películas que el director aragonés pudo hacer con toda libertad y que utiliza recursos sorprendentes para mostrar su visión sobre la sociedad, la religión y el ser humano.

Altamente recomendable

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El cine surreal es muchas veces mostrado como el arte de los sueños y, siendo este el caso, la única forma de describir a Eraserhead es como una pesadilla fílmica llevada al extremo.

En esta historia, bizarra por decir poco, David Lynch utiliza elementos propios del cine Buñueliano (principalmente de Un Chien Andalou) para construir una atmósfera de tensión y ansiedad que lleva al espectador por distintas emociones y que desgarra las barreras de la estética en su clímax.

Empezando con una escena alegórica a la concepción de su hijo, esta película nos muestra los miedos y frustraciones de Henry, un hombre que embaraza a su novia y dado el horripilante aspecto del prematuro "bebé" se ve en la necesidad de casarse con ella.
Es durante el breve tiempo que viven juntos, que ella se harta de la criatura y decide irse a casa de sus padres, mientras que él busca en sus alucinaciones escapar de la realidad tratando de corregir el daño hecho.
Durante una de estas alucinaciones, Henry fracasa en su intento de "borrar" sus acciones pasadas, por lo que su cerebro termina siendo justamente convertido en gomas de borrar.
Una vez derrotado, y presa de la desesperación, Henry decide terminar con su situación con una escena que hace que el ojo cortado de Un Chien Andalou parezca obra de Disney.

Sin ninguna duda, Eraserhead analiza la psicología detrás del hombre que, de un momento al otro, se ve envuelto en una responsabilidad tan grande que termina atormentándolo y que por más que intenta reescribir sus acciones solo consigue empeorar su problema.
Todas las demás interpretaciones del espectador serán tan únicas y diveras como lo serían las mismas de un escrito de Kafka.

Pese a tener problemas de sonido, el mood de la película es sustentado por una excelente fotografía en blanco y negro y cuidado durante toda la trama por una dirección tan personal como cuidada de David Lynch.
Una película lenta pero nunca aburrida, impactante pero hermosa, simplemente una obra de arte que trasciende incluso a su autor.

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Asombroso, La Jetée no solo resultó ser un excelente cortometraje, siono también una de las mejores películas de ciencia ficción que he visto.

En un París distópico, tan devastado por las guerras que la gente vive bajo tierra, los científicos concluyen que la única esperanza para su salvación es el viaje en el tiempo.
El elegido para el experimento es un hombre obsesionado con la imagen de una mujer que vio de niño una vez en un aeropuerto, donde presenció además la muerte de un hombre, como preludio a la guerra.
Es enviado al pasado, donde se desenvuelve mejor cada vez, y se encuentra con la mujer de su infancia y comienza a conocerla en el pasado.
Una vez que domina el viaje al pasado es que puede viajar al futuro, y es enviado a pedir ayuda a los hombres de otra época, quienes acceden a darles la llave de la salvación, para después salvarlo de ser "desechado" mandándolo al lugar que el más quería: El pasado.

Base notable del cine de ciencia ficción que narra una historia original y con significado, tratando temas de obsesión y del significado del tiempo.

En la Jetée tanto el presente como el futuro son mostrados como lugares oscuros y distantes para el protagonista, a diferencia del pasado, donde una vasta iluminación enmarca su relación con la mujer de sus recuerdos

La Jetée es una película que reniega de los estándares comunes de una película, ya que es una película de 29 minutos compuesta únicamente por fotografías y narración, en la que los protagonistas no tienen nombre.
A pesar de esto (o quizá por esto) La Jetée es una obra maestra dirigida perfectamente y que recurre a recursos poco empleados en el cine para lograr eficacia tanto en mensaje como en estética.

Ésta última ocupa un papel vital en la película, pues cada fotografía se relaciona perfectamente con la anterior y posee un desarrollo artístico importante y con concepciones brillantes sobre iluminación y planos, todo esto aunado a la banda sonora (usada magistralmente en la película), a la sobria narración y al ambiente creado por el filme hacen de La Jetée una pieza admirable del cine y uno de los mejores cortometrajes de la historia.

Altamente Recomendada

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Pulp Fiction es una de las cintas más aclamadas del director estadounidense Quentin Tarantino, se trata de un collage sobre las andanzas de un par de matones al servicio de un mafioso en una visión violenta y descabellada de la ciudad de Los Ángeles.

La película sigue una estructura narrativa no lineal donde las escenas no siguen en pantalla un orden cronológico ni una secuencia establecida con una historia fija, se trata de tres historias individuales relacionadas por los personajes y las situaciones que tienen en común. Por un lado tenemos a Vincent Vega y a Jules Winnfield, dos matones a sueldo encargados de llevar a su jefe, Marsellus Wallace, un maletín de misterioso e invaluable contenido. Recuperando el maletín de manos de antiguos asociados, el par sobrevive a una ráfaga de balas destinada a acabar con ellos, lo que hace que Jules considere abandonar su "oficio" al creer que atestiguó un milagro.

Mientras discutía en el auto con su colega sobre la naturaleza del suceso, Vincent le dispara por accidente a un chico que iba en el asiento trasero por lo que, al no saber que hacer, llevan el auto con el cadáver a la casa de Jimmy, un amigo de Jules. Jimmy recibe renuente a los dos sicarios, pero les pide irse de su casa con el auto y el cadáver antes de la llegada de su esposa Bonnie en poco menos de una hora. Vincent y Jules consiguen apoyo de un operativo especial de Wallace , Winston Wolf, que hace al dúo limpiar los interiores del auto y usar frazadas para disfrazar el interior, tras lo cual les consigue ropa de manos de Jimmy y los libera del peso del automóvil y el cuerpo.

Con su pintoresca ropa de civiles, los sicarios van a desayunar a un café donde, eventualmente, una pareja lleva a cabo un robo a mano armada. Después de hablar con el asaltante y reflexionar sobre su vida, Jules perdona las vidas de los ladrones y se retira del restaurante junto a Vincent, decidido a olvidar su carrera como mafioso para "recorrer el mundo" en busca de aventuras.

Vincent se presta entonces a cumplir un inusual encargo de su patrón: llevar a divertirse a su esposa Mia mientras él trabajaba en la noche. Cuidadoso de no acercarse demasiado a la hermosa joven, Vincent permanece relativamente distante de Mia; quien lo lleva a un restaurante temático de la música de los 50´s y el cine clásico de Hollywood. La mujer de Marcellus Wallace se mete a un concurso de baile con Vincent y ganan un trofeo como la mejor pareja de la noche. Al regresar a casa de la dama, Vincent va al baño por unos momentos sin esperar que ésta inhale la heroína que él traía en un bolsillo de su saco, lo que le provoca una sobredosis y la lleva al borde de la muerte. Desesperado, el sicario lleva a Mia a casa del distribuidor que le llevó la droga quien, igualmente confundido, le sugiere inyectar su corazón con una dosis de adrenalina; lo que sorpresivamente salva a la mujer. El sicario, deshecho, lleva a la esposa de su jefe de vuelta a casa y ambos prometen nunca contar a Wallace lo ocurrido.

La historia nos presenta luego a un boxeador llamado Butch quien, a pesar de haber pactado con Marsellus Wallace perder una pelea, sale victorioso de ésta tras haber noqueado fatalmente a su adversario. Butch huye de su casa hacia un motel con su novia Fabianne sin darse cuenta de que ésta había olvidado su reloj, un recuerdo invaluable de su padre, en la casa recién abandonada.

Desesperado, el pugilista regresa a su hogar en busca de su reloj y, tras darse cuenta de que había un matón en el baño, acribilla al despistado sicario (Vincent Vega) y huye satisfecho con su reloj en la muñeca. Mientras Butch conducía de vuelta al motel se topa en la calle con Marsellus Wallace en persona, por lo que lo arrolla con su auto e intenta huir antes de estrellarse contra un poste. Momentos después, ambos hombres despiertan gravemente heridos y se dan caza a lo largo de la calle para después entrar a golpes a una casa de empeños; donde son amagados por el dueño. Butch y Marsellus despiertan amarrados a sillas separadas y vigilados en el sótano del negocio por el dueño y por un amigo suyo, que resultan ser sadomasoquistas homosexuales. Los captores dejan al boxeador atado ante la vigilada de un misterioso hombre vestido de cuero mientras violan al jefe de la mafia. De cualquier modo, Butch se libera y salva a Wallace, ganando así su perdón con la condición de abandonar la ciudad el mismo día y nunca contar lo sucedido.

Pulp Fiction es un paseo vertiginoso por el universo de su autor, un mundo violento y sin sentido donde la moral no existe y las acciones criminales no son éticamente censurables. La curiosa forma en que la narrativa se manifiesta durante la película nos revela el carácter cíclico de la violencia en la sociedad nihilista que se desenvuelve la acción. Los habitantes "distinguidos" de esta Los Ángeles se mueven de masacre en masacre son cuestionarse nunca la naturaleza de la violencia que los rodea o el fin de sus acciones inmediatas; sólo el personaje de Jules consigue reflexionar y cuestionarse sobre lo que le rodea y, aunque sea motivado por un suceso eventual, resquebraja el círculo violento de la historia.

A pesar de ser un filme de casi tres horas de duración, la originalidad de su estructura narrativa, su atinada edición y la sobresaliente dirección de Tarantino lo hacen una obra fluida y entretenida que mantiene un ritmo constante durante su ejecución. Quentin Tarantino nos ofrece una cinta sumamente estilizada que captura todavía más al espectador con la originalidad de su premisa y lo creativo del desenvolvimiento de ésta.

La mayor fuerza de la película reside en la virtuosa elaboración de los personajes, entes perfectamente distinguibles entre sí que resaltan con personalidad propia y que contribuyen con diálogo inteligente y divertido al tono de humor negro de la cinta. Aunque los personajes obedecen a estereotipos cinematográficos, su formulación casi perfecta y las actuaciones que los llevan a la pantalla los han convertido en iconos del cine posmoderno. El peso similar de cada personaje en la historia le da una profundidad mayor al mundo retratado y contribuye aún más al sentimiento que compara al filme con una revista de varias historias de maleantes.
Aunque Pulp Fiction es una película repleta de acción y de escenas de impacto, se le da una importancia mucho mayor a los diálogos y monólogos que dejan entrever los distintos rasgos de la bizarra personalidad de sus personajes.

La música es tan variada como eficaz en su flujo al lado de la distinta acción en la cinta, además de darle todavía más estilo a la propuesta del autor. La fotografía presenta una saturación alta de color que lo distancia en gran medida del tono y la estética del cine noir con el que se le ha comparado, pero que lo acerca más a la sensación de comedia B que pretende el cineasta. La propuesta estética de Tarantino se apoya en un uso experto de los planos y los ángulos sin alejarse de fetiches tan propios del director como los pies descalzos y los colores primarios en contraste.

Llena de referencias al cine y a la cultura del siglo XX, Pulp Fiction es una obra inmensa de manufactura excelente que refleja un manejo impresionante del lenguaje cinematográfico y que constituye un retrato minucioso de la mente de su creador. Es un filme que conforma un logro artístico muy atípico en el cine estadounidense sin sacrificar los elementos que lo hacen un trabajo divertido e irreverente que mantiene un tono único de ironía y humor negro congruente con la historia y su ejecución técnica.
Pulp Fiction es una cinta imprescindible que triunfa en todo sentido técnico y en la que Tarantino empapa al espectador con sus fetiches de forma monumental.

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Obra maestra del cine mudo.
Metrópolis nos presenta una ciudad distópica donde la sociedad "perfecta" está sustentada en la explotación de la clase obrera, la cual vive en una ciudad subterránea.
Se ha mal interpretado mucho la idea principal de la película "El corazón debe de ser mediador entre la mano y el cerebro", ya que la interpretación más justa es que el corazón (entendido por humanidad o sentido común y no como emociones) debe ser el rector entre las clases sociales, por lo que éstas no deben de ser destruidas, deben ser reconciliadas.

Un logro técnico en TODOS los aspectos con una dirección impecable y actuaciones superiores a las de otras películas mudas, esta película posee una estética sumamente notable y una producción evidentemente generosa.

Más allá del inmenso logro que representa está película en el sentido técnico, la tesis final resulta de lo más interesante: la guerra entre las clases lleva a la destrucción de la sociedad, solo un trabajo conjunto logra la justicia para todos.

Una leyenda del cine y un ícono de la corriente expresionista.

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Antichrist, el trabajo más controversial del director danés Lars Von Trier nos presenta todo lo que conocemos como una red de conexiones hacia ningún lado; todo lo sagrado es mostrado como profano y el nihilismo es llevado al extremo utilizando al arte en su máxima expresión.

La película está narrada en forma de episodios, consistiendo ésta de cuatro de ellos, un prólogo y un epílogo. Después de la muerte de su hijo al caer por la ventana mientras ellos hacían el amor, una pareja debe afrontar la pérdida.
Ella entra en una profunda depresión y su esposo, un psicoterapeuta, decide llevarla al lugar que ella dice temer más: el Edén, su cabaña en el bosque.
Él toma la terapia de su esposa en sus manos y decide enfrentarla a sus miedos para poder regresar a su vida normal; sin embargo, termina apresado en algo más grande incluso que él mismo.

Antes que nada, es necesario aclarar que, pese a su título, Antichrist no es una cinta que atente contra la religión o que se fundamente en un discurso de crítica a ésta. A pesar de eso, el filme sí nos presenta una visión completamente nihilista de la realidad al manifestarnos la confrontación de la mente humana contra la concepción de el caos y la nada.

La primera lectura posible de esta obra se puede hacer basándose en la primera impresión que se percibe de la película, el aspecto psicológico, y nos habla sobre el efecto que puede tener una idea sobre las acciones y la naturaleza de una persona; en este caso, la mal interpretación de la tesis de la esposa que la lleva a caer en la locura. Sin embargo, tomar a la película desde este punto sería simplificar demasiado su argumento; pues el trato filosófico que se le da a los protagonistas va mucho más allá. En un principio el personaje de Wllem Defoe es percibido como el inteligente, el que tiene el control y el que logra mantener la cordura a pesar de lo ocurrido, pero después, con el transcurso de los acontecimientos, se nos presenta a la protagonista femenina como la única que tiene la respuesta, una respuesta más allá de la psicología y que nos muestra que todas las causas son realmente consecuencias de la primera causa: el absurdo de la existencia y el caos presente en las leyes naturales.

Ella concluye con su estudio que la naturaleza, en lugar de su papel maternal, es hostil al ser humano; quién, por más que trate de usar su razón para lograr la autodeterminación, siempre termina absorto en su instinto y llevado al caos por el ancla que representa la realidad. El personaje interpretado por Charlotte Gainsbourg termina aceptando de forma consciente al caos que la rodea y se acepta a sí misma como naturaleza, por lo que lleva a su esposo al extremo y lo hace experimentar la pena, el dolor y la desesperación en carne propia, demostrando que, por más que él luchara, su instinto lo llevaría a la barbarie y lo haría percatarse de la nada.

Mucho se ha dicho sobre la violencia sexual de la película, pero, contrario a lo que se pueda creer, las escenas más fuertes de la película no son abordadas como sobresaltos o como intentos de romper con el clima de la película; todo lo contrario, las escenas se sienten acorde al ambiente y la tensión creada desde el principio. Uno de los aspectos más destacados de la película es la fotografía llevada a cabo por Anthony Dod Mantle, la cual cambia por momentos de cámara en mano a tomas convencionales sin hacer perder a la película ni por un segundo su estilo visual único, tan hermoso como inquietante. El prólogo y el epílogo contrastan por su belleza en blanco y negro con la fotografía más oscura e introspectiva al estilo de Andrei Tarkovsky, lo que nos entrega al final uno de los trabajos visuales mejor desarrollados de los últimos tiempos.

La dirección es sumamente perfeccionista y cada detalle en los personajes y en la trama es cuidado desde el principio hasta la conclusión de la cinta; las actuaciones son otro de los puntos de mayor impacto en la película y el hecho de que solo sean dos los personajes elaborados facilita la comprensión plena de sus motivaciones y su transformación. La obra es estilizada al máximo posible, la película es todo contenido pero sin descuidar ni un poco el empaque.

Más allá de controversias o de nombres, Antichrist es un filme estupendamente rodado y que logra ser profundo sin descuidar la técnica ni los detalles. La fuerza de sus escenas y la filosofía en su mensaje la ahcen una película difícil de disfrutar en compañía y claramente no está pensada para ser aceptada por el espectador de mente cerrada. A pesar de esto, Antichrist es claramente una obra maestra y uno de los filmes más cuidados de la década pasada que se entregará por completo a quien sea capaz de verla sin concepciones previas.

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Definitivamente impactante, justo en el momento en que pensaba que pocas cosas podían sorprenderme y llega Kubrick con su 2001: A Space Odyssey y lo cambia todo.

¿Cómo definir a 2001?, podría parecer difícil hablar de una película de la que hay fácilmente un centenar de lecturas e interpretaciones, pero se puede decir simplemente que ésta es una cinta de ciencia ficción que lleva el género al punto más alto que pudiera llegar a alcanzar.

Comenzaré hablando un poco del argumento; el filme está dividido en cuatro partes entre las cuales se marca la diferencia claramente; la primera parte se llama "El Amanecer del Hombre" y nos presenta una comunidad de simios viviendo en la miseria debido a la ardua competencia contra otro grupo de su misma especie y una población de tapires; es cuando les llega de la nada un extraño monolito negro, al cual temen al principio, pero poco tiempo después los lleva al descubrimiento de herramientas y comunicación, lo que los conduce hacia la supervivencia. En este acto se prescinde por completo de los diálogos, recayendo su fuerza sobre la banda sonora y las imágenes.

En la segunda parte de la película, llamada "TMA-1" se nos presenta a un hombre de ciencia, el Dr. Floyd, que viaja de la tierra a una estación espacial, teniendo como destino final la luna; es cuestionado entonces sobre ciertas anomalías en una estación espacial norteamericana, lo que luego revela como una fachada para cubrir un descubrimiento importante: Un monolito negro enterrado por seres inteligentes en la luna. Una expedición va a recuperarlo pero al estar cerca de él son sorprendidos por una descarga sónica.

El tercer acto de la película, "Misión a Júpiter", está desarrollado 2 años después que "TMA-1" y en el se narra una expedición a Júpiterde cinco tripulantes, dos astronautas despiertos y tres topógrafos en hibernación, en una nave piloteada por una sofisticada computadora de nombre HAL. Pese a que Hal clama ser una computadora perfecta hay evidencias de una falla de su parte, por lo que Frank y Dave, los astronautas, deciden desactivarlo y continuar la odisea sin él; Hal se da cuenta de esto y mata a Frank mientras éste caminaba en el espacio, Dave entonces sale en una cápsula a rescatar a su compañero mientras HAL aprovecha para sellarle el paso de regreso y matar a los topógrafos en hibernación. De todos modos, David Bowman logra regresar a la nave y terminar con la computadora al retirarle una a una las tarjetas que componían su memoria.

Pero, sin lugar a dudas, el acto más extraño y confuso es el último; "Júpiter y hacia el Infinito", donde Bowman, como único sobreviviente de la nave Discovery, llega a Júpiter adentrándose en una explosión de imágenes psicodélicas que lo llevan a la representación de una habitación con decoración a la francesa, donde se ve envejecer hasta abrazar a un tercer monolito negro, convirtiéndose en un ser etéreo de apariencia fetal, mucho más grande aún que la tierra misma.

Como cualquier interpretación de esta película, la mía no debe ser tomada como cánon, pues el filme da lugar a distintas lecturas, ninguna más verdadera que la otra.

Lo primero que tenemos que tomar en cuenta es la figura del monolito, que en primera instancia representa el conocimiento que lleva a los simios (totalmente instintivos) a la razón y con eso a la cúspide; es después, en el siglo XXI que el ser humano (ahora completamente racional y privado de emociones naturales) se ve guiado en la figura de Dave a reconciliar las dos partes (el ser animal y el ser racional) y es así que logra convertirse en un ser pleno, cuyo destino sobrepasa los límites físicos y lo lleva más allá de las estrellas.

Para esta cinta, Stanley Kubrick presenta innovaciones tanto técnicas como narrativas; por ejemplo, la música, una banda sonora clásica ejecutada de forma sorprendente, toma el papel de la narración para mostrarnos el contexto de cada una de las escenas, y si bien esto hace al ritmo disminuir dramáticamente, le da un papel privilegiado a los efectos visuales (mención aparte, tal vez los mejores que he visto), por otro lado las imágenes son tan poderosas como las de la asombrosa A Clockwork Orange y en algunas escenas toman el papel de los diálogos para ir desentramando la acción de la película.

2001: A Space Odyssey es una película poderosa tanto en contexto como en contenido, y que además de innovar en los puntos mencionados, permanece fiel al estilo de Kubrick y utiliza el color y las sombras para crear la fotografía más sublime que haya visto en una película de ciencia ficción, además de presentar un trabajo de cámara impecable y respetuoso a los planos naturales.

Una obra maestra del cine moderno y una reflexión alentadora sobre el destino de la humanidad, a pesar de ser algo estático, 2001: A Space Odyssey es una de las mejores películas del cine estadounidense y un clásico inmortal de la ciencia ficción.

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Ladri di Biciclette es una cinta italiana de la posguerra dirigida por Vittorio De Sica; se trata de una de las obras más aclamadas de la cinematografía mundial, esto debido principalmente a su notoria influencia en las películas posteriores y a su refinada ejecución.

La trama versa sobre un joven padre de una familia humilde de la ciudad de Roma que consigue empleo pegando carteles a lo largo de la ciudad, con el único requisito impuesto de tener una bicicleta para realizar dicha tarea. Para recuperr la bicicleta del empeño, Antonio y su mujer empeñan las sábanas de su casa y, aunque casi no tienen dinero, el futuro parece brillante. Sin embargo, mientras el hombre trabajaba en el centro, un joven roba su bicicleta, la única oportunidad que tiene para seguir trabajando y sacar adelante a su familia. Es entonces que, después de una larga e ifructuosa búsqueda por la ciudad con su hijo Bruno, Antonio encuentra al ladrón al que, sin suerte, denuncia. En ese momento, desesperado por la incertidumbre, el padre se enfrenta a una decisión difícil..

En lugar de mostrar una visión idealizada de la pobreza con el fin de enaltecer a la clase trabajadora, Ladri di Biciclette se plantea una reflexión interesante sobre la naturaleza humana; sólo que en vez de usar a los personajes como instrumentos en un ambiente controlado, la cinta nos muestra situaciones y personajes tremendamente humanos, personas más que ideas o modelos. Aunque está clara la naturaleza ética del filme, en nigún momento éste intenta dar una lección o critica las realidades presentadas, después de desarrollar el contexto, se limita a retratar al hombre y sus decisiones.

El guión sigue una estructura lineal y el modelo de una tragedia, sostiene su fuerza principalmente en el personaje de Antonio; del que se desarrolla una personalidad compleja al tiempo que se le pone ante sentimientos como la frustración y la pérdida y ante realidades como la necesidad. La dirección de De Sica es extraordinaria y consigue dar ritmo y personalidad a la película al tiempo que da profundidad a los temas tratados y al universo retratado. La edición es también acertada y contribuye a darle un aire poético no forzado a la obra.

Es necesario señalar que, a pesar de su contexto y de su premisa argumental, el filme italiano no es una obra populista o socialista; sino que, por la naturaleza de sus personajes y su enfoque ético, puede ser clasificado de forma más apropiada como un trabajo humanista. Ladri di Biciclette es un filme que sigue todas las convenciones del movimiento artístico europeo conocido como neorrealismo, una corriente que pugnaba por nuevos paradigmas estéticos, narrativos y temáticos en el cine y que tuvo resonancias en la producción cinematográfica de todo el mundo. Esto se hace evidente en el retrato que se hace de la sociedad trabajadora y sus problemas cotidianos, así como en la búsqueda de realismo a través del uso de locaciones urbanas auténticas y de personajes comunes interpretados por desconocidos.

La fotografía de la película es en blanco y negro y está muy bien lograda, principalmente en las escenas donde se presentan paisajes urbanos iluminados sólo con luz natural. El trabajo de cámara es intachable, con un manejo de planos apropiado y ángulos creativos. Se utiliza música de fondo para reforzar el tono romántico del filme y, aunque no es una banda sonora especialmente remarcable, consigue complementar la acción en pantalla.

Ladri di Biciclette es un manifiesto humanista que reflexiona sobre la condición humana al tiempo que desarrolla una historia entrañable repleta de excelentes personajes y situaciones bien elaboradas. Inmaculada en el aspecto técnico y con una manufactura casi perfecta, la obra maestra de De Sica es un filme sumamente notable cuyas influencias se muestran aún en la actualidad.

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Una poderosísima película musical de Lars Von Trier que revoluciona una vez más el género musical.
Dancer in the Dark narra la historia de una emigrante europea que llega a Estados Unidos con la esperanza de mejorar su vida y la de su hijo. La ilusión de operarlo para prevenir que se quede ciego, como ella, la lleva a trabajar en una fábrica, donde se deja llevar por la música de la maquinaria, así es como ante las tragedias que se avecinan en su vida, usa la música como un escape y un refugio.

Un claro homenaje al cine musical y a la música en si, una historia de vida tan real como la vida misma.
La película está grabada casi por completo con handycam lo cual al principio representa un impedimento, pero a lo largo de la película se utiliza para mostrarnos el contraste entre el mundo real y el mágico mundo de música donde se protege Selma.

La actuación de Björk es un tema aparte, tan emotiva y desgarradora que roza la perfección y marca un debut sumamente prometedor.
Tiene una hermosa selección musical y una dirección sumamente amorosa con la película, una experiencia hermosa y dolorosa al mismo tiempo.

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Pickpocket es una película dirigida por el cineasta francés Robert Bresson, una historia sobre los atracos de un carterista profesional en el París de los años 50. Esta cinta es un trabajo de sencillez notoria en lo que a argumento se refiere y que recae en el desarrollo de los personajes para sostenerse.

La trama sintetiza las andanzas de Michel, un joven inteligente pero con una concepción extraña de lo que es la felicidad y de lo que es él mismo. Convencido de que la única forma de alcanzar la felicidad es a través del dinero, el joven decide hurtar una gran cantidad de dinero de su madre anciana, tras lo cual se muda a un cuarto en otro edificio y comienza a aislarse de las otras personas.
Su madre muere y, poco a poco, pese a los intentos de su amigo Jacques por conseguirle un trabajo, un robo lleva a Michel a otro y termina perfeccionando su técnica, convirtiéndose en uno de los carteristas más buscados por la policía francesa. Es por eso que el ladrón decide huir de la ciudad tras despedirse de Jeanne, una joven que acompañó a su madre los últimos días y que se había convertido en amiga suya y de Jacques.
Después de algún tiempo, Michel regresa a París e intenta robar de nuevo, pero fracasa y encuentra su lugar en la prisión; donde besa a Jeanne por primera vez.

Como mencioné antes, el principal soporte de esta película es el protagonista; tanto así que su narración en off no solo es constante a lo largo de la misma sino que es un elemento más que nos muestra la sensación de Michel de ser completamente distinto a las demás personas. Siendo un hombre inteligente, el carterista se ve necesitado a crear un discurso ético válido para sí mismo que justifique sus crímenes; es así que Michel comienza a sentirse miembro de un grupo distinto de hombres que tienen suficiente talento como para justificar sus crímenes, lo que lo aísla más de sus amigos y de las demás personas.
Se nos muestra también la ambigüedad de la razón humana, pues nunca se pone en duda la inteligencia o habilidad del joven y, sin embargo, su autoexilio le impide ver que aún tiene amigos y a una mujer que lo ama; no se da cuenta de que arriesga todo por buscar la felicidad donde no puede hallarla.

El protagonista termina por ver arte en el acto de robar, lo cual se nos muestra con excelentes tomas y efectos visuales sencillos y eficaces que nos hacen cómplices de sus acciones; ser ladrón termina por ser su vicio, trata de ocultarlo pero por otro lado lo grita silenciosamente a cualquier persona que se le acerque, incluso prescinde de la paranoia típica del criminal, pues toma acciones que demuestran que, en el fondo, desea ser atrapado.

La película corre de forme sublime, con gran respeto por los planos y con tomas muy bien elaboradas que reflejan de forma casi perfecta la intención del autor, siendo una excepción en el cine europeo de la época, el ritmo del filme es relativamente fluido y logra capturar con facilidad al espectador.
Los temas no son explícitos y Bresson se ahorra los discursos aleccionadores para dejar Pickpocket completamente en manos de quien la está viendo.

La banda sonora es un punto fuerte de la película, pues se mezcla de forma natural con el ruido urbano y se convierte en un espectáculo independiente que complementa la película. Pickpocket encuentra la perfección en la sencillez de su trama y debe ser considerado como un logro técnico impresionante del arte y la técnica cinematográfica.

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Såsom i en Spegel es una película dirigida por Ingmar Bergman en 1961; se trata de una cinta introspectiva y metafórica donde la inestabilidad mental de una joven lleva a los cuatro miembros de su familia a un duro camino hacia el conocimiento y el vacío.

Karin es una mujer joven que, tras ser dada de alta de un hospital psiquiátrico, va con su familia a pasar unos días en una isla; solos ella, su esposo Martin, su hermano Minus y su padre.
Aparentemente son una familia feliz, pero, con el paso del tiempo, la imagen de estabilidad se resquebraja y cada personaje revela su naturaleza.
El núcleo familiar de Karim resulta una mezcla de relaciones ambiguas entre sus seres queridos. Ella es una muchacha que, al sentirse indefensa entre la incertidumbre y la ignorancia, se refugia en una actitud infantil y busca un rol paterno en su esposo y su padre, un escritor frustrado con una visión distante y pesimista de la realidad y su familia. Por otro lado, la relación de la protagonista con su hermano menor (un joven artista que presencia torpemente la manifestación de su sexualidad) oscila delicadamente entre la complicidad y una muy bien elaborada tensión sexual.

Guiada por voces en su cabeza, Karin pasa los días en un desván abandonado esperando que Dios apareciera un día por la puerta de un armario; escudando su depresión en la negación de la realidad y refugiándose en su esperanza de que el mismo Dios se manifestara ante ella.
Al ver desvanecerse poco a poco la imagen de familia amorosa protectora de la frágil joven, las personas que la rodean comienzan a revelar sus inquietudes más profundas; aquellas que los hacen miserables y hacen que busquen inventar espacios imaginarios para protegerse de la realidad. Yendo en sus reflexiones del nihilismo al existencialismo, la familia se encamina hacia el caos; que culmina con la recaída de Karin.

El tema central que es tratado mezcla elementos teológicos y filosóficos en un entorno psicológico; reflexionando de forma recurrente sobre el efecto que la certidumbre sobre la existencia o la falsedad de Dios tiene sobre las personas, usado por la protagonista como única fuente de esperanza y de soporte hasta que sufre un ataque y es atacada por el "Dios Araña".
La conclusión del filme es una reflexión medianamente optimista que, tal vez deliberadamente, luce absurda al contrastarla con el tono sombrío del total de la obra.

Sin ninguna duda, Såsom i en Spegel es una cinta profunda e interesante que toma temas complejos sin caer en la redundancia o en la pretensión. Bergman sigue haciendo su cine completamente personal al utilizarlo para expresar ante el espectador sus propias dudas e inquietudes sobre el hombre y sobre Dios.
El desarrollo de personajes es excelente y realista, el cineasta utiliza a actores recurrentes en su filmografía que logran retratar lo complejidad humana de cada individuo de forma adecuada.

A pesar de su ambiente oscuro, denso e introspectivo; la dirección logra dotar a la película de fluidez y de consistencia narrativa; lo que aunado a un buen guión (donde incluso existe un guiño contra la hipocresía y pomposidad en el arte) y a un cuidadoso proceso de edición otorga un trabajo coherente.

Ingmar Bergman reafirma su papel como autor absoluto dotando a su obra de personalidad y estilo sin descuidar el arte y la técnica; de la cual es importante destacar la asombrosa fotografía, donde cada cuadro es una muestra impecable de uso artístico de planos, enfoque, luces y sombras; Sven Nykvist nos brinda una película hermosamente retratada donde cada cuadro en blanco y negro es tan visualmente desafiante y tan excelso como el anterior.
La música está utilizada de forma excelente y se recurre a la obra de Johan Sebastian Bach para el marco ambiental que complementa las imágenes.

Ya sea que se admire por sus diversas imágenes filosóficas o que sea buscada por por el análisis de la mente enferma, Såsom i en Spegel es una película sin vicios que resulta fundamental para el espectador de buen cine. Ingmar Bergman nos da, una vez más, una lección de excelente cine mientras excava en los rincones más oscuros de su mente.

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Citizen Kane es una reconocida cinta norteamericana dirigida, escrita, producida y protagonizada por Orson Welles; es considerada por muchos como una de las mejores películas de todos los tiempos y uno de los primeros ejemplos de cine de autor en Hollywood.

El filme se desarrolla de forma posterior a la muerte de su protagonista, el excéntrico magnate de las comunicaciones Charles Foster Kane, y narra su vida mediante el uso de anécdotas de las personas que lo conocieron. Todo esto incentivado por un periodista que busca entender el significado de "Rosebud" la palabra que el empresario pronunció antes de morir.
Es así que las pocas personas que estuvieron cerca de Chares Kane relatan su ascenso a la riqueza, su separación para con sus padres, sus ideales, sus proyectos, sus matrimonios fallidos y su reclusión autoimpuesta en Xanadu, la gigantesca mansión que construyó y donde pasó en soledad sus últimos años.

El primer elemento que sobresale en la película es la fotografía, cuya ejecución es sobresaliente debido al uso creativo de la luz y las sombras y a la creación de escenas tan memorables y únicas en su forma como lo han podido llegar a ser en el cine; para lo que se utilizan distintos planos, técnicas y cámaras que ocupan distintas funciones en el filme.
A pesar de que la edición, alejada totalmente de la estructura lineal, puede parecer caótica por momentos, la realidad es que funciona de maravilla. Tras la escena de la muerte de Kane se nos muestra un corto documental falso que hace un resumen de la vida del protagonista, una forma original de desvelar la trama desde el principio para mostrarla después desde distintos ángulos; en los que se analizará al personaje desde un punto de vista psicológico pero siempre de forma externa, revelando la conclusión, la "pieza faltante", solo al final.

Más allá de los temas políticos tratados por Citizen Kane se nos presenta una reflexión muy interesante sobre la esencia del ser humano; todo lo que dejamos en el camino para llegar a ser algo y darnos cuenta del valor de las cosas más sencillas. Kane es un demagogo, por momentos roza incluso el socialismo mientras lleva una vida de lujos, inicia una campaña a favor del pobre atacando a una de sus empresas sin pensar ni en un momento en cerrarla o en cambiar su rumbo. Se trata de un personaje que es despojado de todo en su infancia a cambio de dinero y poder; un hombre al que le es negado el amor y se ve obligado a buscarlo utilizando lo único que tiene.

Sin duda, un trabajo sumamente sobresaliente en el cine mundial y una obra atípica en el cine norteamericano de las grandes productoras; Citizen Kane es una película llevada al extremo del desarrollo en todos los aspectos técnicos y argumentales. Prácticamente todos los diálogos de la película tienen profundidad y significado por sí mismos.
La dirección es sumamente notoria y cada de talle de la producción es cuidado con esmero. Las actuaciones funcionan de forma estupenda y, aún sacándolas de contexto, logran llevar de buen modo a la cinta.

No es una película para disfrutarse, claramente es más fácil admirarla que dejarse enamorar por ella. A pesar de tener un ritmo demasiado lento para los estándares actuales, Citizen Kane es una estilizada obra maestra que trasciende cualquier género.

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Krótki film o zabijaniu, al igual que la cinta Krótki film o milosci, es una adaptación extendida de uno de los cortometrajes de la aclamada serie de Krzysztof Kieslowski "El Decálogo".

En este filme, Kieslowski nos narra la historia de Jacek, un joven campesino con poco tiempo en la agobiante ciudad que asesina brutalmente, por razones triviales absurdas, a un taxista y que es mandado a juicio. Es entonces que Jacek es sentenciado a la pena capital a pesar de los esfuerzos y el convincente discurso de Piotr, el abogado recién egresado que se encarga de su caso.
El joven criminal pide a su abogado visitar a su madre tras el cumplimiento de la ejecución y, después de eso, es colgado por el cuello hasta morir.

Partiendo de una premisa argumental tan sencilla como esta, Kieslowski nos presenta la base para una reflexión profunda sobre el homicidio, la pena de muerte, la naturaleza humana y el derecho penal; todo esto a través de un enfoque realista con énfasis en la crudeza de la muerte y en la reacción psicológica del ser humano al rededor de ella.

Para ello se recurre a personajes sumamente desarrollados fuera de los estereotipos a los que, a pesar de que se omiten detalles de sus motivaciones o pasado para no desviar la objetividad del tema del homicidio, se les dota de personalidad y emociones auténticamente humanas y congruentes con la acción en pantalla.
Desde el carácter auto destructivo y la clara enajenación de Jacek hasta los conflictos éticos e imposiciones morales del abogado idealista que es Piotr, el ensamble entre las situaciones y quienes las desencadenan resulta extremadamente realista.

En su tesis sobre la pena de muerte y su relación con el asesinato, el director crea en la ciudad de Varsovia un ambiente vacío, frío y oscuro; habitado por gente corrupta y hastiada; utilizando distintas técnicas en la fotografía para lograr por momentos un enfoque extremo al centro con oscurecimiento al rededor de la imagen para resaltar la alienación del personaje protagónico, así como otras tomas que varían de acuerdo a lo requerido por la trama. Al igual que en Krótki film o milosci, el sonido y la ausencia de éste contribuyen a la construcción de la atmósfera de la película.

Las escenas de mayor impacto, y las más elaboradas, en la cinta son las altamente detalladas que muestran los dos homicidios al rededor de los cuales gira la película. Para éstos, Kieslowski se aleja totalmente de la visión estilizada de la violencia y el asesinato que caracteriza el cine de las últimas décadas y opta, para no viciar la intención analítica del filme, por mostrar de forma explícita, directa y realista la muerte de ambos personajes.

El guión está estupendamente construido y, a pesar de la atmósfera pesada de la película, la edición nos muestra una película fluida y congruente con el lenguaje del director; se trata también de una obra llena de escenas memorables y drama finamente mesurado. En Krótki film o zabijaniu Krzysztof Kieslowski se aleja de cualquier pretensión moralista o didáctica y, en cambio, nos plantea un escenario cuidadosamente elaborado sin resoluciones impuestas a través del cual busca desencadenar una reflexión objetiva en el espectador; un filme inteligente que no subestima al que lo está viendo.

Krótki film o zabijaniu una obra maestra indiscutible que conjura actuaciones asombrosas con un guión satisfactorio y dirección estilizada; la síntesis de la realidad y la visión del artista en una obra tanto profunda como artística que en ningún momento deja de ser interesante en su retrato del ser humano y su mundo.

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No sé por donde empezar, aunque realmente no creo ser el culpable después de ver una película tan...¿asombrosa?, ¿contradictoria? ¿horrible? ,¿hermosa?, ¿sencilla? ,¿compleja?...como lo es la peculiar visión de Svankmajer sobre el cuento medieval de Fausto.

Nuestro protagonista anónimo es un tipo cualquiera que recibe al salir del metro un mapa de manos de unos desconocidos, mapa que por más que elude nunca puede abandonar, y que lo conduce a un misterioso teatro de donde ve a un hombre salir huyendo.

"Fausto" entra y toma en sus manos el guión parcialmente quemado de la obra y comienza a recitarlo con plena naturalidad mientras se viste con indumentaria apropiada.

Es entonces que regresa a la normalidad y trata de huir del tatro, pero sigue siendo tentado tanto por títeres demoniacos como por los dos misteriosos hombres.
Y es tentado por la magia y por la alquimia (y por una embriónica versión de Golem)hasta que accede a blasfemar contra dios en un ritual macabro que lo lleva a invocar al demonio Mefistófeles (que en realidad es él mismo), a quien le ofrece su alma a cambio de servicio leal durante 24 años.

Fausto es persuadido entonces por un títere angélico para que no abandone la teología por la alquimia, pero la oferta de sabiduría y poder del demonio surte más efecto y sella el pacto al convertirse en un títere y firmar un contrato con sangre para el demonio Mefistófeles.

Es cuando el demonio sirve a Fausto para impresionar al rey de Portugal en su cumpleaños, quien se percata del carácter diabólico del individuo y rechaza a Fausto; quién, en un arranque de ira, inunda las tierras del rey, arrepintiéndose después y pidiendo perdón de rodillas a la imagen de Cristo.

Obviamente, el diablo no queda conforme, por lo que disfraza a uno de sus vástagos de una mujer hermosa y tienta al teólogo, quien rechaza a Cristo y fornica con ella hasta darse cuenta de que es un demonio.
Mefistófeles decide cobrar su parte del trato y por más que Fausto trata de protegerse, termina quemando el libreto y huyendo hacia su destino.

Svankmajer recurre con la alegoría de Fausto para mostrar algunos mensajes; por un lado tenemos al diablo en el rostro del protagonista, lo que nos dice que las tentaciones que sufrimos son creadas por nosotros mismos, también tenemos al concepto de los títeres, todos movidos por ese par de manos invisibles (demonios, ángeles y Fausto) que es imposible no asociar con dios mismo, que jugaría con la fe del protagonista en todo momento.

Al igual que en los demás trabajos del director europeo, en Fausto lo importante no son los diálogos (aunque en este caso son mucho mejores que en Alice) sino las impactantes imágenes surrealistas que nacen de su mente y que a pesar de parecer no tener conexión entre sí se van uniendo en la historia (algo que podría haber intentado nuestro amigo Jodorowsky en La Montaña Sagrada).
También es de mencionar la EXCELENTE actuación de Petr Cepek.

Fausto es una pelícuala lenta por momentos y que en otros parece absurda, pero no dejará decepcionado a ningún espectador; sumamente creativa y con una gran utilización de recursos técnicos aunados a un gran trabajo de animación hacen a esta película un exponente obligado del cine surrealista.

****1/2

Mary and Max es un largometraje de animación en stop motion dirigido por el cineasta australiano Adam Elliot. Esta inusual historia sobre amigos por correspondencia ha recibido una atención importante en distintos festivales y ha dado a conocer en mayor medida el nombre de su autor entre los círculos de admiradores del cine animado.

El argumento de la cinta nos presenta a dos personajes en realidades aparentemente opuestas. Mientras Mary Daisy Dinkle es una niña australiana viviendo en una familia disfuncional e impedida socialmente por su físico, Max Jerry Horowitz es un neoyorquino mórbidamente gordo que siente un extraño tipo de aversión patológica hacia todo lo considerado normal por la mayoría de las personas. Un día Mary escribe una carta y la manda a un norteamericano al azar, comenzando una amistad epistolar entre dos personas muy distintas entre sí pero completamente aisladas del resto.

Sin darse cuenta, el hombre y la niña consiguen seguridad y confianza a través de su relación. Pese a su extraña naturaleza, la amistad por correspondencia entre Mary y Max continúa por muchos años; en las cuales se descubre que la incapacidad de Max de expresar sus sentimientos y sus conductas antisociales se deben a un tipo de autismo conocido como Síndrome de Asperger. Mary consigue casarse con el chico al que había contemplado desde la infancia, también termina sus estudios universitarios sobre transtornos psiquiátricos con la intención de ayudar a su amigo; por lo que escribe un libro sobre el Síndrome de Asperger usando la enorme cantidad de cartas intercambiadas durante más de una década y envía el primer ejemplar a Max, quien reacciona de una manera inesperada para ella.

El filme de Elliot es una obra animada altamente estilizada que trata temas serios con un tono especialmente satírico. Mary and Max recurre a un estado dentro del espectro del autismo como base para una serie de reflexiones sobre los problemas de las personas en el mundo de la gente. La soledad de las sujetos distintos al resto, el maltrato del que son objeto constante y su incapacidad para ser felices en un mundo del que parecen no ser parte son opacados en la cinta solamente por la amistad; una tan honesta y libre como sólo puede darse ante la terrible necesidad de compartir con otro.

La película representa de igual modo una crítica al pensamiento funcionalista. Para el autor, la intención de curar las desviaciones sociales y culturales parte de la idea errónea de que lo convencional es correcto y lo que no lo es debe ser corregido. Mary and Max no propone un mundo mecánico y funcional, propone un mundo donde quepan muchos mundos; uno donde ser distinto no es inherentemente malo.

La obra de Adam Elliot es tierna y triste en similar medida. Es un drama con un tono muy singular que mezcla un intenso drama de apariencia pesimista con toques de comedia negra. Para conformar la atmósfera y rasgos característicos de la película, el director recurre aparentemente a la influencia de otros realizadores; se pueden citar a Jean-Pierre Jeunet con su Le fabuleux destin d'Amélie Poulain, a Tim Burton con su Vincent (especialmente en algunas técnicas de animación y en el uso de la luz) y al mexicano Carlos Carrera con El Héroe.

Además de la desarrollada dirección de Elliot, Mary and Max llama la atención por su remarcable guión. La estructura narrativa de la película se resume durante gran parte del metraje en un intercambio postal segmentado que nos revela la personalidad y el entorno de sus personajes principales a través de lo que dicen de sí mismos al otro. La narración externa es también importante durante la primera mitad de la cinta, aunque el guión evoluciona hacia su parte complementaria para escapar del tedio que pudo haber causado permanecer con la misma fórmula narrativa en toda su extensión. Un libreto de este tipo favorece el desarrollo de los mundos de sus personajes y refleja su aislamiento al no ofrecer otros puntos de vista, también impide que el espectador se sienta parte de la acción, dejando solos a Mary y a Max, el uno con el otro.

La animación es creativa y consigue desarrollar una estética propia mediante concepciones visuales bien constituidas. El trabajo de cámara y la fotografía no son tratados con el desinterés común en a animación comercial, son apartados plenamente notables aún viéndolos individualmente. Ejemplo de esto es el notable trabajo de iluminación y algunas escenas técnicamente desafiantes, así como el uso de Elliot de los colores de arcilla para reflejar el contraste entre los mundos de sus personajes. La música es usada de forma adecuada y da todavía más personalidad a la obra.

Aunque distante por momentos y un tanto irregular en el ritmo, Mary and Max es una obra relevante estética y narrativamente que maneja bien su intensidad emocional sin descuidar la propundidad de su mensaje. Adam Elliot demuestra maestría en la dirección de una película que aún muestra trazas de su pasado como director de cortometrajes.

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The Wall es una película sumamente depresiva, sin diálogo alguno, conformada únicamente por la música de Pink Floyd.

La cinta narra el origen de los traumas en la vida del rockero Pink, mismos que nos llevan en un crescendo por su proceso hacia la locura hasta lelgar al punto máximo con los antivalores tomándo todo el control.

Un egocéntrico análisis freudiano hacia la conciencia humana y hacia los absurdos de la sociedad, un proceso de destrucción del YO que lleva a Pink a rodearse de un muro emocional para protegerse tanto de los demás como de si mismo y del recuerdo de sus errores.

Una película sumamente inteligente que cautiva al espectador sin necesidad de diálogos, mención honorífica merecen las animaciones y la iconografía de Gerald Scarfe tan brillantes y oscuras que permanecen en la memoria colectiva hasta el presente.

Una bocanada de tristeza y desesperanza que reflejan el sentimiento británico de la posguerra y la realidad del ser humano.

****1/2

Les Plages d'Agnès es un documental autobiográfico de la aclamada cineasta belga Agnès Varda. El filme es un proyecto en el que Varda utiliza el cine como una herramienta para hablar sobre ella, sobre su vida, sobre sus seres queridos y sobre su obra a poco tiempo de llegar a los ochenta años.

Siendo una artista consumada, Agnès Varda se enfrenta en su más reciente obra documental al reto de encarar a su reflejo en las playas que han delimitado su vida, de ver hacia su pasado y su presente para pintar con la cámara un cuadro de sí misma. En Les Plages d'Agnès, Varda recurre al cine para poder mostrarse realmente; no juega con los recursos cinematográficos, se hace una con ellos, muestra su dominio sobre el lenguaje fílmico para hacer cine en su esencia más pura.

La cinta trasciende cualquier etiqueta. Para Varda, lo que dice en su obra no es ajeno al medio que utiliza; es así que la cinta recurre a instalaciones, performance, secuencias narrativas, testimonios e imágenes tomadas de sus películas en una obra estructurada a partir de la forma del collage que es la memoria. El cine de la belga se muestra completamente honesto, al punto de mostrar el proceso de producción como parte del producto final. Es un filme de estética única, una mirada a las profundas concepciones de su autora respecto al arte y al cine; Varda nos muestra en estas visiones otro de los espejos en que refleja su imagen verdadera para su retrato cinematográfico.

Las partes que conforman Les Plages d'Agnès son inconcebibles de forma aislada; el cine de la autora evoluciona al punto en que el lente de la cámara no es distinto al ojo del artista: cine verdadero, cine narrativo, cine artístico; todo parte del ilimitado séptimo arte. La dirección de Agnès Varda es libre en su fluidez, la cinta-collage se asemeja a un cauce intrincado y espóntaneo donde a cada paso se devela un poco más de la psique de su directora. El filme es sincero en su autorretrato, sin vanidad, nostalgia ni pretensiones, ni siquiera es un homenaje; es un poco de regocijo por Varda que homenaje ya es su vida misma. El manejo del ritmo es interesante por sus cambios y su adecuación a los giros en la cinta mientras que la edición permite el brillo de cada uno de los recursos empleados por la cineasta en su narración. La música es bien utilizada. Las imágenes de la película son igualmente bellas y reflejan un entendimiento artístico único en la dirección de arte de la obra.

Aunque es necesario conocer al menos un poco de la vida y obra de Agnès Varda para disfrutar el filme como es debido, Les Plages d'Agnès es más que una biografía o una semblanza del cine de su autora, es una muestra de la asombrosa concepción fílmica de una artista definitiva que, a sus ochenta años, brilla con más fuerza que nunca, libre de las limitaciones que tanto han aquejado al cine.

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Salò o le 120 giornate di Sodoma, considerada una de las obras más perturbadoras jamás realizadas, fue la última película dirigida por el realizador italiano Pier Paolo Pasolini.

El filme está vagamente basado en "Los 120 Días en Sodoma" del Marqués de Sade y narra un extraño experimento en el que cuatro hombres de poder de la Italia fascista secuestran a 18 jóvenes y muchachas y los encierran en una mansión durante 120 días para utilizarlos como medio de placer a través de la tortura física, sexual y psicológica.

Los fascistas elaboran un ambiente controlado, en el cual, las víctimas asumen un papel de sumisión y esclavitud sexual ante sus cuatro amos; los cuales son incentivados diariamente por las narraciones públicas de un trío de ex-prostitutas sobre las manías más extremas de sus clientes.

A grandes rasgos, así es como se resume el argumento de esta cinta; la cual está dividido en cuatro episodios, cada uno más depravado que el anterior: La Antesala del Infierno, El Círculo de las Manías, El Círculo de la Mierda y El Círculo de la Sangre. La estructura narrativa es lineal y nos muestra la historia desde el punto de vista de los libertinos.

Día a día, las jóvenes víctimas deambulan entre las más extremas fantasías de sus captores; varios tipos de fetichismo, sexo homosexual y heterosexual, coprofilia, sadismo, urofilia, voyeurismo y referencias a la pedofilia y a la zoofilia; lo único prohibido en el ámbito sexual es el coito entre las víctimas y las relaciones afectivas. Salò o le 120 giornate di Sodoma funciona tanto como un estudio social como una crítica de la naturaleza del hombre corrupto desde su esencia por la enajenación fascista de la acumulación excesiva de poder.

La alienación de los protagonistas es tal que parecen indiferentes ante el sufrimiento de los jóvenes; buscan el placer como fin último y recurren a todo tipo de excesos lascivos para encontrar los límites del gozo sexual. Aún estando en la perspectiva de los fascistas, el contraste de la hermosa música de Ennio Morricone con la naturalidad de las narradoras y los horribles actos que se muestran en pantalla llevan los pilares ideológicos de los amos hasta el absurdo. Deconstruyendo con esto lo ilógico de la sociedad desde las instituciones sociales hasta los ritos y la solemnidad.

Más allá de ser un filme pornográfico, a pesar de lo mostrado nunca se le da un carácter erótico a las imágenes de la cinta ni se muestran imágenes explícitas de la penetración, Salò o le 120 giornate di Sodoma es una reflexión deseperanzadora de la sociedad y un análisis profundamente artístico de una zona apenas conocida de nuestra naturaleza; nuestra única parte completamente racional y completamente animal: la perversión.

Mientras la cinta camina a la conclusión, se nos muestra que por más extremo que se vuelva el comportamiento del ser humano y por más que la libertad se busque en los límites del alma, ésta tiende siempre a lo prescrito y la realidad se restablece con la desensitización progresiva de la persona como único cambio de fondo, la adaptación completa.

Salò o le 120 giornate di Sodoma es una sucesión de imágenes terribles y obscenas filmadas en una fotografía que narra en la perfección y que, con sus motivos visuales bien definidos, es por momentos casi poética y por otros casi insoportable. La música es parte integral de la experiencia cinematográfica de la obra de Pasolini y es usada con maestría en la creación de ambientes.

Más allá de cualquier lectura política, Salò o le 120 giornate di Sodoma es una cinta virtualmente perfecta donde el director hace uso de un estupendo guión y una edición fluida para jugar más fácilmente con los sentimientos y sensaciones del espectador, que no tiene más que dejarse arrollar por algo tan común y tan extraño al mismo tiempo.

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Sans Toit ni Loi es una película francesa de 1985 dirigida por la cineasta Agnès Varda, perteneciente a la nueva ola del cine de ese país.



En esta Road Movie se narra la historia de una joven oficinista que deja su vida para buscar la libertad vagando por la carretera; la trama sigue una estructura parecida a Citizen Kane con la muerte del protagonista como primera escena y la historia revelándose a base de flashbacks narrados por las personas que la conocieron en sus últimas semanas de vida.



Mona es una mujer joven que vaga por el campo, al lado de la carretera; y que tiene una actitud indiferente hacia todo, pues desea liberarse de todos sus problemas y responsabilidades actuando al margen de la sociedad.

Como es de esperarse, la presencia de Mona en los distintos lugares que recorre, provoca distintas reacciones en la gente que la ve: desprecio, admiración, compasión, asco,...



Pronto va apareciendo gente dispuesta a ayudarla, pero al verse frente a ella es que se revela su verdadera naturaleza, sus temores y sus defectos, es por eso que, al verse desprotegidos, terminan por dejarla.

Por otro lado, hay momentos en que Mona busca detener su viaje y tratar de ser feliz de otras formas, pero termina resignándose y continuando con su autodestrucción.



La muerte de Mona llega por haber tomado el camino hacia una libertad mal entendida, sin sentido ni fin, con su autonegación y su indiferencia tanto a ella misma como a los demás, y sin embargo revela de forma desgarradora que su viaje no es diferente al de las demás personas que conoce.



Sans Toit ni Loi es una de las películas más cuidadas que yo he visto tanto en el argumento como en la forma de llevarlo a la pantalla, pues explota un concepto aparentemente simple en una forma excepcional sin caer en lo repetitivo ni en el sofismo.

Fotografía a color propia de los 70-80's y una buena banda sonora basada en las cuerdas, la cámara utilza travellings para resaltar el paisaje y el color para representar las emociones de la protagonista, un personaje rico y bien elaborado que sin embargo es guiado a través de la historia por los personajes secundarios.



Sin duda es una película indispensable y que mueve tanto a la reflexión como al mero disfrute del arte en ella, una muestra del buen cine francés de la nueva ola y una prueba de que Agnés Varda es de las mejores directoras con vida.



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Por un lado tenemos al niño Vito Andolini, que huye de Sicilia tras vivir el asesinato de sus padres a manos de un mafioso, lo que lo lleva a progresar por su cuenta y a crear una vida buscando la venganza contra aquel hombre (lo que logra) sin saber que ese camino lo llevaría a convertirse en lo que alguna vez odió.

También tenemos en la otra historia a la consolidación del imperio criminal de Michael Corleone, hijo de Vito; quién justifica sus acciones criminales diciendo que lo hace por proteger a su familia, lo que irónicamente lo lleva a perderla, matando a su propio hermano por rencor y provocando que su esposa lo abandone.
Cuando tus medios para llegar a un fin bueno son malos irremediablemente el fin se corrompe.

Un logro técnico en todo aspecto; resaltan las actuaciones protagónicas, la dirección de arte, la producción, la música, la recreación de los escenarios y sobre todo la genial dirección de Francis Ford Coppola; de todos modos, al igual que en la primera, la película se extiende demasiado, lo que aunado a un ritmo lento lo hace una película cansada.

Una obra maestra del cine estadounidense y la mejor película sobre la mafia.

****1/2

Santa Sangre es una de las últimas películas del surrealista chileno Alejandro Jodorowsky, se trata de un trabajo atípico en su filmografía, en el cual se apega más a una estructura narrativa clásica, tal vez debido a la intervención en el guión del hermano de Darío Argento, Claudio.

La primera parte de la película es un flashback en el que se nos muestra la infancia de Fénix, un niño mago hijo del dueño de un circo y de la sacerdotisa fanática de un culto llamado Santa Sangre. Ellos viven y trabajan en un circo, a donde después llega una mujer tatuada con una niña sordomuda; es entonces que Orgo, el padre de Fénix, comienza una aventura con la mujer tatuada consiguiendo así el odio de su esposa, que lo ataca cuando lo encuentra en la cama con su amante.
Orgo le corta los brazos a su mujer y la deja desangrando antes de suicidarse, todo esto ante los ojos del pequeño Fénix, que ve todo desde el remolque de su padre. Entonces, asustada, la mujer tatuada huye del circo con la niña muda, la mejor amiga de Fénix.
Fénix crece y sus traumas lo llevan a quedar recluido en un manicomio, donde vive en un estado animal. Al lograr salir del manicomio, el joven logra resurgir, pero pronto su personalidad desaparece y su mente termina siendo un esqueleto matizado por los traumas ocasionados por sus padres. Por un lado la lujuria de su padre lo domina por momentos, y por el otro el recuerdo de su madre lo invade. Es entonces que vuelve a encontrarse con su madre, quien de algún modo puede controlar los brazos de su hijo para que actúen como si fueran los que ella perdió hace tiempo, aunque esta vez ella los utiliza para obligar a su hijo a matar a cualquier mujer que le despierte deseo.

Este filme tiene como tema principal la enajenación en todas sus formas, desde las fanáticas religiosas rezándole a la estatua de una niña sin brazos y bañándose en pintura roja como si fuera sangre hasta Fénix vistiendo con la ropa de su padre para conquistar a una mujer y reproducir sus traumas.
El protagonista es, en este caso, un hombre que perdió su identidad debido al sufrimiento que tuvo de niño (su muerte simbólica es representada por la muerte de un elefante) y que se vio obligado a crearse una personalidad con retazos de lo que lo hizo perder la suya.

Como dije antes, esta película se aleja mucho de las cintas clásicas de Jodorowsky; los símbolos y el lirismo visual se reducen considerablemente y permanecen como elementos ordenados dentro de la trama. Sin embargo, el estilo del cineasta está presente en todo momento, desde su visión caótica y surrealista de la ciudad de México hasta las alucinaciones constantes del protagonista esta es una película de Alejandro Jodorowsky. Las imágenes de Santa Sangre tienen tanta fuerza como en otras obras del chileno, pero esta vez se ven beneficiadas por un muy buen uso del color para contrastar lo bello con lo grotesco.

Un punto característico del filme es la inclusión de una gran cantidad de música popular mexicana en distintas escenas, lo que ayuda mucho a la creación del contexto y le da aún más matices de cultura latinoamericana a las imágenes de las mismas.
La película conserva el sabor del cine de serie B y todos los personajes son interpretados de forma amateur, algunas escenas parecieran no tomarse en serio a sí mismas y por momentos la película posee fallas graves, aparentemente, voluntarias. A pesar de eso, el filme posee una dirección visual muy desarrollada con elementos sumamente creativos lo que, aunado a un guión bien estructurado y dirigido con maestría en todo el estilo Jodorowsky, lo hace una obra imprescindible para el cine experimental.

A pesar de no ser tan introspectivo como El Topo o La Montaña Sagrada, Santa Sangre representa un período excelente en la carrera de Alejandro Jodorowsky, una historia envolvente y bien desarrollada que guarda algunos elementos giallo y remembranzas a Psycho de Alfred Hitchcock y los lleva al punto más alto del surrealismo latinoamericano.

****1/2

Le Fântome de la Liberté es la penúltima película dirigida por el afamado autor aragonés Luis Buñuel. Considerada por el director una de sus cintas favoritas, la obra es una comedia surrealista reconocida por su narrativa no lineal y su humor rico en absurdo.

La trama del filme está conformada por secuencias independientes encadenadas por un personaje secundario de una de ellas que es principal en la siguiente. Escenas que muestran a padres escandalizados que encuentran excitantes a las fotografías "obscenas" de construcciones famosas que su hija aceptó de un extraño, un maestro incapaz de terminar su clase de moral a un grupo compuesto por diligentes policías, una niña "perdida" que ayuda a sus padres y a la policía a dar sus datos para poder encontrarla; así como otras historias absurdas aparentemente inconexas, son vinculadas por la edición en una narrativa sucesiva que da la apariencia de lógica.

Para Le Fântome de la Liberté, Buñuel recurre a una técnica común en la poesía surrealista: un flujo libre de ideas que favorece a aquel automatismo del que hablaba Breton. Este método es aplicado por el español al arte cinematográfico en una estructura narrativa que se asemeja a nuestra percepción de los acontecimientos habituales, donde somos testigos únicamente de historias inconclusas. De este modo, el director nos presenta una historia irreal en un formato más realista de lo acostumbrado.

La cinta es provocativa y transgresora al estilo de las mejores obras de su autor y toma la forma de parodia que el cine de Luis Buñuel adquiere en su última etapa, haciendo al espectador cómplice de la burla. Pese a ser una comedia, Le Fântome de la Liberté no pretende divertir al espectador, busca evidenciar el absurdo de los ritos del ser humano, que Buñuel ve como arbitrariedades que nos limitan a preservarlas y repetirlas. Como en la mayor parte de su filmografía, el aragonés critica ferozmente a la hipocresía de la iglesia, las instituciones y la moral. Aún así, el pudor es el mayor objeto de a burla del autor; que lo muestra como un rasgo accidental y culturalmente relativo del hombre.

El largometraje ostenta la dirección sumamente estilizada requerida para una obra de su naturaleza, aunque Buñuel hace evidente su madurez presentando una dirección tan cuidadosa y virtuosa como la de sus mejores cintas. El tono característico del Buñuel surrealista está presente ampliamente en Le Fântome de la Liberté y está acompañado por las imágenes tradicionales del autor: pollos, monjes y sirvientas entre otros. La edición es de primer nuvel y el guión aprovecha las particularidades de la película para mostrar algunos excelentes diálogos surrealistas y situaciones asombrosamente creativas

La cámara es creativa en su uso de planos y sus movimientos mientras que la fotografía presenta la hipersaturación cromática que caracterizaría a filmes del Buñuel tardío como Le Charme Discret de la Bourgeoisie. La penúltima cinta de uno de los mejores autores de la historia del séptimo arte es a la vez su testamento cinematográfico; una obra personal que, aunque alejada del estilo de sus obras mexicanas, Viridiana y Los Olvidados particularmente, sintetiza con maestría las inquietudes y concepciones propias de Buñuel.

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Una excelente película de David Lynch que utiliza una hermosa recreación de la Inglaterra Victoriana para contar una historia sobre la dignidad y el significado de la palabra humano.

Jhon Merrick es un hombre que nace deforme debido a un accidente sufrido por su madre durante el embarazo, por lo que termina siendo explotado como la estrella de un show de fenómenos.

Es entonces que El Hombre Elefante es rescatado por un reconocido doctor (Hopkins) que lo lleva al hospital donde trabaja para ayudarlo, sin saber realmente como.

Al principio el hombre elefante es mostrado como un animal en una exposición médica, incluso llegando a tomarlo como una criatura con retraso mental grave, para después darse cuenta de que Merrick era un hombre sensible y talentoso limitado solo por su cuerpo amorfo.

El mensaje es claro para el espectador debido al punto de vista utilizado, el de Hopkins, pues se percibe perfectamente el cambio que tiene éste en la visión del hombre elefante.

¿Cómo se puede juzgar algo? el odio en el ser humano es simplemente un intento vano de rechazar lo desconocido, sin darnos cuenta del tesoro que desperdiciamos al cerrarnos.

Al fin y al cabo Merrick no era reconocido para la mayoría como una persona, era una simple atracción o, en el mejor de los casos, un animal, y entonces era temido y rechazado por gente que no lo conocía.

Frederick Treves, el cirujano, encuentra la cura para Merrick al resignarse en la búsqueda de la misma; logra que Merrick se acepte como un ser humano y que al fin sea querido por alguien.

Una película muy triste que nos hace avergonzarnos de la naturaleza humana, que nos vuelve verdaderos animales pues nos regresa al instinto autoprotector de una bestia.

La mejor película biográfica que he visto enmarcada en un gran trabajo visual con tintes expresionistas, que aunados a la gran banda sonora recrean de forma excelsa la época victoriana.

Una película con actuaciones que van de lo decente (Hopkins) a lo impresionante (Hurt) y que representa un trabajo maduro y con sentido que permanecerá para la posteridad.

****1/2

Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain es una película como ninguna otra de un director como ningún otro, Jean-Pierre Jeunet. Esta cinta representó un hito mayor para el cine francés al cautivar a la audiencia y a la crítica internacionales y al darle proyección global a la obra de su autor; se trata de una comedia romántica única donde Jeunet externa los paradigmas estéticos y estilísticos de su arte.

La introducción del filme nos muestra a Amélie, una niña curiosa y creativa que crece cada vez más introvertida al ser aislada del mundo por su padre ausente, primero por considerarla incapaz de ir a la escuela por una enfermedad imaginaria y luego por el distanciamiento entre ellos al morir la aún más ausente madre de la niña. Amélie crece y se convierte en una joven tierna e introvertida, al tiempo que trabaja en un café y lleva una vida sencilla enfocada a disfrutar los placeres más simples que la rodean, alejándose en gran medida de las relaciones personales de cualquier tipo.
Un día, Amélie descubre en su departamento una pequeña caja de hojalata con los bienes más preciados de algún niño que lo habitó antes que ella.

Es entonces que la joven se dedica a buscar al, ahora adulto, dueño de la caja, lo que consigue gracias a la ayuda de su excéntrico vecino Raymond Dufayel. Así, al darse cuenta de la alegría que llevó a la vida de aquel hombre, Amélie decide emplear su vida para ayudar a ser felices a todas las personas cercanas a ella. Convertida en una suerte de vengadora, la joven pasa sus días ayudando sutilmente a sus vecinos y amigos a solucionar sus problemas y a alegrar su vida; es así que se encuentra con un álbum donde un hombre restauraba y coleccionaba todas las fotografías que rescataba del bote de basura de una caseta de fotos automática.

De algún modo, Amélie comienza a fascinarse con la idea de encontrarse con el dueño de la libreta; por lo que, al descubrir su identidad, comienza a poner pistas para que éste pueda encontrarla y así recuperar sus fotografías. Después de un plan muy articulado, Amélie consigue guiar al joven hacia su álbum perdido y, pese al temor de ésta de evidenciar sus nacientes sentimientos hacia su "compañero de juego", comienza a tramar algún método para encontrarse de frente con él. Sin embargo, un malentendido hace a la muchacha desistir de sus planes y, sólo con el consejo de Dufayel, Amélie consigue armarse de valor y encontrarse con Nico, mostrándose completa y revelando sus emociones.

Más que una historia de amor, Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain es una cinta sobre la necesidad del ser humano de salir de sí mismo para compartir su interior con los demás. Amélie es una muchacha que evita involucrarse sentimentalmente con otras personas y que permanece absorta en su mundo de "placeres simples" debido al exilio social que le impusiesen sus padres neuróticos cuando niña. Temerosa de resultar lastimada por las estructuras sociales convencionales, la joven intenta arreglar los desperfectos en la vida de sus conocidos para evadir la necesidad de encargarse de su incapacidad de relacionar su realidad con la de la sociedad.

Los personajes en la película son divertidos e interesantes, una amplia gama de personalidades distintas que son en el fondo tan asociales e introvertidos como Amélie pero que ignoran esto para dejarse llevar por el ritmo de la vida, acumulando así heridas y frustraciones. La historia gira casi en exclusiva al rededor de la protagonista y de sus relaciones con otras personas, lo cual sería un problema sin la inmensa riqueza del personaje principal. Amélie es un arquetipo polifacético, un personaje tan estilizado como complejo que sostiene, gracias a la excelente actuación de Audrey Tatou, la premisa de la cinta durante el desarrollo de la trama. El personaje sigue el camino de otros similares, jóvenes inocentes y graciosos que no encajan en el mundo, pero Jeunet opta por humanizarla rompiendo el tabú de los personajes de esta naturaleza al hacerla sexuada. Introspectiva, encantadora, tímida, curiosa, divertida, inteligente y con actitudes que, por momentos, la hacen parecer casi autista; Amélie es uno de los personajes más memorables del cine de las últimas décadas y el motor principal del filme.

La cinta es poseedora de una atmósfera única que contagia al espectador del espíritu de Amélie, haciéndolo cómplice de sus fechorías y compartiendo la magia del mundo en el que vive. El París presentado no es de ningún modo un reflejo sujeto a la realidad, es la ciudad fantástica, llena de arte, amor y color que vemos en las postales; un entorno perfecto para desarrollar una historia tan irreal como la que se nos presenta. El humor utilizado en la cinta es sumamente refinado; inteligente, sutil y eficaz en la misma medida; una comedia pícara que muestra un dominio destacado del género.

Esta pequeña joya del cine francés contemporáneo es una obra de manufactura exquisita donde los recursos técnicos obedecen en todo momento a la necesidad del autor de desarrollar la atmósfera presentada. Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain es uno de los ejemplos más sobresalientes del cine de Jeunet; la estética, atmósfera y personajes del filme nos remiten a las obras más personales del director sin ser por ello un reciclaje de elementos pasados. La dirección de Jean-Pierre Jeunet en ningún momento sacrifica la calidad de la ejecución por potenciar el estilo de su obra. Más que nunca, Jeunet es un autor extremadamente meticulosos que, gracias a su cuidado de los recursos cinematográficos de los que dispone, hace de su película un trabajo con ritmo y poesía en el que comparte con nosotros su personalidad y arte.
(dirección y edición)

A pesar de que la prolongación excesiva de un par de escenas entorpecen un poco el ritmo del filme, la edición nos otorga una cinta estructurada y coherente que logra mantener el interés del espectador durante la extensión completa de la historia, esto también es resultado del guión sobresaliente que constituye a la película, una historia inteligente y rica donde cada momento memorable precede a otro.

Tal vez el elemento más destacado de la película es el apartado visual. El trabajo de cámara es excelente y retrata el espíritu de la cinta con la aplicación correcta de ángulos caprichosos y el uso creativo de los planos. Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain ratifica su naturaleza de cine de autor con la elaboración de una propuesta estética concreta y original que da forma al mundo representado por la trama. Se usa una saturación alta de color y se favorece el alto contraste entre colores primarios mediante el empleo de filtros rojo, verde y amarillo; lo que da a la cinta una apariencia de cuento de hadas aún mayor. La música complementa de forma extraordinaria lo mostrado en pantalla y nos transporta hacia el París mágico que Jeunet quiere regalarnos.

Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain es una delicia; una cinta que, pese a su excelente manejo personalizado del lenguaje cinematográfico y su uso mesurado de los recursos que la constituyen, no tiene pretensiones de obra de arte ni de discurso moral. Es una película hermosa en su sencillez aparente que nos demuestra la ilimitada riqueza del arte cinematográfico.

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Una de mis películas favoritas. En esta excelente adaptación al cine del cuento de B. Traven se revive la historia de Macario, el leñador mexicano que hace un pacto con la muerte, consiguiendo así un regalo inusual.

El subestimado director Roberto Galvadón nos muestra de forma creativa y con un entorno cargado de símbolos la concepción de la muerte en el México clásico.

Parte de la corriente nacionalista de la edad de oro, donde era visible el costumbrismo y el preciocismo, pero sin abusar de estos elementos (como lo hizo por ejemplo E. Fernández en María Candelaria) Macario es un filme de ritmo ágil y de historia envolvente.

Sin embargo, la película está sustentada por 2 pilares: la soberbia actuación de Ignacio López Tarso y la mejor fotografía de México (claro, gabriel figueroa)

Un clásico mexicano altamente recomendado

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12 Angry Men es una película dirigida por Sidney Lumet. Este drama judicial es una de las obras más aclamadas del arte cinematográfico y uno de los trabajos más reconocidos de United Artists.

El guión está estructurado a partir de un breve prólogo, donde un juez manda a un jurado a decidir la inocencia o culpabilidad de un presunto patricida; un desarrollo extenso donde los doce hombres discuten sobre el caso hasta la unanimidad y un también breve epílogo donde los hombres dejan la corte después de la resolución.

Para un proceso penal donde un joven era acusado de homicidio en primer grado contra su padre, el Estado selecciona al azar un jurado compuesto de doce desconocidos. A ellos corresponde el veredicto final, de declarar culpable al muchacho éste iría a la silla eléctrica. Los ciudadanos elegidos discuten la situación con apatía al estar convencidos por completo de la culpabilidad del acusado. Sin embargo, el jurado número ocho se niega a declarar culpable al muchacho al considerar que existe una duda razonable en el caso; por lo que obliga a sus hastíados compañeros a discutir el caso una vez más. Paulatinamente, el octavo jurado hace a los demás dudar de su veredicto original al tiempo que revelan su personalidad al grupo.

El filme de Lumet es un escenario ético que estudia sustancialmente la base del sistema de justicia estadounidense a partir de un modelo argumental sencillo. 12 Angry Men recurre a una estructura narrativa interesante en que la fuerza de la historia recae sólo en su desarrollo a partir de varios momentos climáticos repartidos a lo largo de éste. Es así que se desarrolla el ritmo de la película sin desviarse de su premisa original en ningún momento y aunque el guión toma evidente partido por la causa del protagonista, no desacredita a los antagonistas; conservando el realismo.

El guión es indudablemente la mayor virtud de la cinta; se trata de un trabajo complejo e interesante que introduce y desarrolla de forma adecuada a un grupo asombroso de personajes: individuos complejos y diferenciables de los que no es necesario conocer el contexto para apreciar su riqueza. La historia nos presenta una propuesta interesante en que el egoísmo y los prejuicios de sus personajes nos revelan el mal mayor sobre el que reflexiona Lumet: la indiferencia. Los realizadores del filme nos presentan una sociedad alienada, hombres demasiado volcados a sus ritos y ocupaciones como para percibir la salvaje realidad de su entorno. La conta de Lumet sirve también para percibir distintas formas de influencia social.

La dirección de arte es sobria y permite a quien la ve concentrarse en la situación de los personajes. La fotografía es en blanco y negro y, pese a no conseguir grandes imágenes, resulta adecuada. En lo que a la cámara se refiere abundan las tomas de acercamiento. El trabajo de cámara en el filme no busca crear placer visual o fluidez sino que pretende involucrar al espectador en el ambiente de tensión y claustrofobia de sus personajes.

12 Angry Men es un excelente ejercicio dialéctico que conjuga los lenguajes dramátrico y cinematográfico de forma estupenda. La dirección del filme también es notable, presenta la acción de forma estilizada sin renunciar al realismo. Su formato cercano al tiempo real involucra al espectador en aún mayor medida, haciéndolo sentir parte de la discusión. La obra de Lumet es una cinta pequeña pero ambiciosa que recae en excelentes actuaciones para formular un debate interesante que es mucho más que eso.

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Al hacer una obra basada en la vida de algún personaje histórico, especialmente tratándose de uno tan importante como Jesús, se debe tener un cuidado extremo con la utilización que se haga del personaje; sin embargo, no creo que haya una película que haya sido satanizada sin razón más que The Last Temptation of Christ. En esta obra de Martin Scorsese se deja claro desde el principio que la película no pretende ser fiel ni histórica ni teológicamente a la realidad de lo que fue Jesús de Nazaret y, a pesar de eso, es aquí donde se muestra el rostro más humano y realista de uno de los hombre más importantes de la historia, con todos sus contrastes y ambigüedades en torno a su papel en el plan divino.

En un principio se nos presenta a Jesús como un hombre atormentado por el miedo que le causa lo que Dios pueda querer de él, es por eso que es un carpintero que se dedica a hacer cruces con tal de lograr ahuyentar a Dios, lo que le acarrea el desprecio de la comunidad judía. Su vida como un cobarde es lo que lo lleva dudar incluso de si mismo y a nunca poder iniciar una relación con su amiga María Magdalena, que ahora se había convertido en prostituta.

De algún modo, Dios se le revela a Jesús en forma de señales, lo que lo lleva al desierto y lo libera de su temor, por lo que el ahora Rabí decide predicar una doctrina basada en el amor entre la gente que lo rodea. Es así que logra salvar a la Magdalena de una tribu iracunda y se hace de un gran grupo de seguidores que, por sus palabras y milagros, lo siguen en su camino para ser bautizado por Juan.

Jesús entonces discute sus creencias con el Bautista, lo que lo lleva a recluirse a mitad del desierto para hacer ayuno y lograr recibir mensajes de su Padre; es entonces que es tentado por Satanás en tres formas distintas, primero como su espíritu, luego como su corazón y luego como el diablo; a pesar de eso, Jesús sale airoso de la prueba y retoma su camino con un nuevo enfoque: ahora el amor sería su mensaje pero haría todo lo que fuera necesario para llevar el mensaje que le correspondía (representando su determinación con un hacha).

Pronto, el Mesías recibe en sueños la noticia de que Dios deseaba usarlo como un sacrificio final para liberar al mundo en la cruz, por lo que Jesús se sumerge en la desesperación y, junto con su amigo Judas y los otros apóstoles, entra triunfante a Jerusalén donde reúne una gran multitud de judíos para liberar a la ciudad de los invasores romanos, creyendo que morir luchando contra los romanos era el camino correcto (el del hacha) pero dándose cuenta al final que la voluntad de Dios era que entregara su vida en la cruz, por lo que abandona a la multitud y se retira entre abucheos de la ciudad.

Jesús decide, entonces, encomendar a Judas la tarea de entregarlo a los romanos, a lo que éste se niega, aunque termina aceptando por cariño a su maestro. Jesús es crucificado en el monte Gólgota y suplica piedad a Dios al sentirse agonizante y completamente abandonado por su Padre.
Es entonces que un ángel se presenta frente a Jesús y le dice que Dios había decidido no sacrificarlo, que no era el mesías y que podría vivir tranquilamente; por lo que el protagonista es liberado y se va a vivir con María Magdalena, con la que tiene una relación hasta la muerte de ésta , que es cuando se casa con las hermanas de Betania y hace una familia normal.

Pero, al llegar el momento de su muerte, su vida será cuestionada y es entonces que el debe elegir entre morir como un anciano o regresar y redimir a la humanidad.

Como es fácil ver en la trama, los evangelios son usados en The Last Temptation of Christ como un mero contexto para el planteamiento del segundo arco de la película, donde se ponen en conflicto la parte humana y la parte divina del redentor; sus miedos, sus tentaciones y sus fracasos son los retos que al final el deberá enfrentar para lograr la trascendencia que le pertenece.

La última tentación de Cristo llega cuando éste se deja llevar por su miedo y toma el camino fácil tratando de ser una persona normal y teniendo relaciones con María Magdalena, liberándose así de la carga que representaba para él ser elegido por Dios; una misión demasiado grande para un ser humano, demasiado vino para un cáliz tan pequeño, sin embargo, Jesús logra triunfar sobre sus miedos y deja atrás la carne y el deseo para alcanzar su misión y asumirse a sí mismo.

Más que una película religiosa, The Last Temptation of Christ es un análisis muy interesante sobre la dualidad en la existencia humana, el temor a nuestro propio potencial y a las decisiones que tomamos en la vida; se trata de un trabajo muy bien llevado a cabo y sostenido principalmente por la espectacular actuación principal de William Dafoe, que logra retratar a las dos facetas de Cristo como un ser completo y muy creíble. El trabajo de edición nos entrega una película bastante larga y, aunque no es para nada dinámica, no resulta aburrida ni tiene escenas de relleno; lo que facilita al espectador sentirse envuelto por la historia y seguir con interés en ella a lo largo de las dos horas y media.

La fotografía es muy buena y Sorsese utiliza la sangre como el elemento visual más importante de la película, claro está que no como un simple espectáculo gore al estilo de The Passion of the Christ. La banda sonora de Peter Gabriel le da un toque muy distintivo a la película y logra complementar muy bien las escenas de la misma.

Fuera de controversias y discusiones, The Last Temptation of Christ es una película imprescindible para cualquier amante de la filosofía o de la psicología, un punto muy alto en la carrera de Martin Scorsese que debe disfrutarse dejando de lado todos los prejuicios.

****1/2

Cinema Paradiso (en su versión completa) es un hermoso homenaje a la historia del cine que nos enamora de este arte y de la vida.

Giuseppe Tornatore nos regala una de las tramas más emotivas del cine en dos historias consecutivas, la infancia de Totó y su amistad con Alfredo el cácaro del Cinema Paradiso lo que lo lleva a ver en el cine la escencia de todo y la juventud de Totó (Salvatore) donde crece rodeado de cine y encuentra el amor en una joven.

Un regalo al espectador y una película que roza la perfección; recurre a todo tipo de elementos para despertar las emociones de la audiencia incluyendo actuaciones creíbles de casi todo el elenco, creando personajes entrañables e inolvidables.

La nostalgia se apodera de quien la ve y lo lleva a recuperar lo más importante, la escencia, lo primordial, el amor más simple pero más maravilloso: la amistad.

Cine sentimental italiano en su máxima expresión y una de las películas mejor logradas de la historia.

****1/2

El mayor error que se comete con esta gran película de Stanley Kubrick es querer encontrar a Stephen King en ella pues, fiel a su estilo, Kubrick utiliza la novela solo como una plataforma para narrar su propia visión de la historia, revolucionándo así el género de terror.

Stanley Kubrick utiliza el genio de Jack Nicholson para recrear al ya legendario personaje de Jack Torrance, reflejando en su locura una de las actuaciones más impresionantes de Hollywood.

En esta película, el director se la pasa jugando con la audiencia a cada momento, despertando fácilmente en ella las sensaciones que busca mostrar.
Kubrick juega además con todo tipo de elementos gráficos, generando tomas realmente icónicas.

Un filme de carácter psicológico donde el terror no proviene de algo externo, sino de algo tan familiar como un ser amado.
El Resplandor posee tantas lecturas posibles que sería ingenuo tratar de concretizarlas, pero es indudable que es una de las películas más notables tanto del género de terror como del cine estadounidense.

****1/2

Una de las grandes películas de la etapa mexicana de Luis Buñuel nos muestra la historia de un sacerdote y su camino hacia la decepción por sus principios religiosos.
Francisco Rabal encarna de manera soberbia al padre Nazario, un sacerdote "católico romano y apostólico" que trata de vivir lo más apegadamente posible a la vida de Jesucristo; lo que le acarrea problemas con la Iglesia y una imagen de santo entre la gente humilde que lo rodea.
Debido a haber alojado a una prostituta en su cuarto del mesón (la cual había asesinado a otra y quemaría el lugar después) tiene que huir hacia el campo.
Con una estupenda dirección de Buñuel, quien no prescinde de los elementos que lo caracterizan ( su toque surrealista y la crítica social y eclesiástica) y la mejor de las fotografías; Figueroa.
Con estupendas actuaciones y una historia envolvente, Nazarín se convierte en una película sumamente atractiva.

****1/2

Nota: Debido a que la versión que vi de ésta pelìcula estuvo acompañada en vivo por el grupo mexicano Nine Rain; compositores de un soundtrack original que complementa perfectamente los temas y ritmo de la pelìcula, que además es dotada de aún más misticismo del que lograba la música original; es posible que mi calificación se vea afectada favorablemente.

Que viva México es ua película muda dirigida por Sergei Eisenstein y que, por diversas razones, quedó inconclusa; tanto un documental como una película de ficción, podría considerarse por momentos una crítica social, pero se sacude la etiqueta para contar una historia donde los protagonistas son solo distintas encarnaciones de lo que fue, es y será el mexicano.
La película está dividida en un prólogo, tres episodios independientes (más uno no grabado), y un epílogo.

En el PRÓLOGO podemos ver un recuerdo del México prehispánico, donde se nos muestra al mexicano adorador de la muerte, temeroso de ella y aferrado a su esencia sin posibilidad de cambiarla en ningún momento; es un inicio favorable debido a la calidad de las imágenes tomadas, reflejo impresionante de la tradición mesoamericana.

El primer episodio de la película se llama SANDUNGA y presenta las tradiciones de las mujeres en edad de matrimonio que viven en el Istmo de Tehuantepec; narra la historia de una joven llamada Consuelo y su camino para llegar a ser la matriarca de su nuevo hogar; se nos muestra un lugar donde el tiempo es irrelevante y las tradiciones están tan arraigadas que suplantan a la esperanza de transformación.

Entre el primer y segundo capítulo podemos ver una de las escenas más interesantes del filme, en 12 de diciembre cientos de indígenas suben un cerro de rodillas, algunos más suben con cruces clavadas a cuestas y todo esto ante los ojos de los curas, convencidos de haber hecho bien su "siembra" de catolicismo entre la gente de su nueva colonia; pero es curioso el planteamiento que Eisenstein nos presenta, ¿Será que los indígenas hagan eso en honor a la virgen, o será solo un nuevo nombre para el culto a su antigua diosa? el director soviético se cuestiona una vez más sobre que tan aferrada a las tradiciones del pasado es la gente de México, que por más sangre y destrucción permanecieron renuentes a cambiar.

El segundo episodio se llama FIESTA y desarrolla la tradición de la fiesta brava, este episodio presentaa una escena técnicamente compleja desarrollada a la perfección, y compara el ofrecimiento del sacrificio del toro a la virgen de parte del torero con los antiguos sacrificios a la Madre de los Dioses, por lo tanto el mexicano ahora cambia, pero solo en apariencia porque en el fondo aún es temeroso de la muerte .

El tercero lleva por nombre MAGUEY y se desarrolla en una hacienda porfiriana, donde un peón trata de vengar la deshonra de su prometida y es ajusticiado junto con sus compañeros, en este capítulo el protagonista se ofrece a sí mismo, no duda en poner en riesgo la vida con tal de luchar por lo que le importa, por su ideal, esto es lo que llevaría al siguiente episodio.

La cuarta parte hablaría sobre la revolución y llevaría el nombre de SOLDADERA, sin duda se continuaría con la muestra del proceso de cambio que tiene el mexicano en su relación con la muerte, este capítulo no fue grabado.

Todo se resume en el epílogo, donde se nos muestra los festejos del Día de Muertos, y vemos al mexicano sin máscaras, que ha evolucionado a lo largo de su historia y que ahora se burla de la muerte en lugar de temerle, es en escencia el mismo que le rendía culto y que le ofrecía sacrificios (incluso coexisten estas prácticas) pero el camino de su gente a lo largo de la historia le han dado la oportunidad de cambiar para continuar caminando.

Una película totalmente satisfactoria que, a pesar de no ser un documental en el sentido estricto, logra mostrarnos la compleja dualidad de la cultura mexicana, el corazón del país mostrado sin tapujos y crítica social que no llega al regaño.

Que viva México es una joya del cine mundial y una película indispensable para quien gusta del buen cine, si bien es cierto que la película es un logro de tres, es obvia la mano de Eisenstein sobre las de sus compañeros, la fotografía incluso es bien pensada aunque no totalmente realizada.
La abuelita del cine mexicano, que enaltece a la cultura desde el pasado hasta el presente y que presenta características visuales y temáticas que se conservarían hasta los años 60's.

****1/2

Forbrydelsens element es el nombre de la opera prima del controvertido cineasta danés Lars von Trier. La cinta mezcla las convenciones del cine negro con diversos elementos cinematográficos de vanguardia.

La trama está compuesta por la narración de un policía expatriado en El Cairo a su psicoanalista en una sesión de hipnosis; el hombre de nombre Fisher, recién regresa de un complicado caso en Europa es aquejado por intensos dolores de cabeza. Fisher cuenta que después de años de exilio, regresó al viejo continente por solicitud de un antiguo conocido, un oficial sádico y desinteresado llamado Kramer, ahora jefe de policía.

Fisher encuentra a Osborne, su antiguo maestro, como un anciano senil renuente de su antigua filosofía. Aún así, el policía recién llegado decide utilizar las ideas de Osborne sobre el elemento criminal para resolver el crimen por el que Kramer lo ha traído de regreso. El caso en cuestión habla de un misterioso asesino serial conocido como "El Asesino de la Lotería" por dirigir sus ataques a las vendedoras de billetes de lotería.

La naturaleza ordenada, casi matemática, de los homicidios guía al policía hacia un hombre llamado Harry Grey, del que toda información permanece misteriosamente ausente de los archivos de la policía. Siguiendo el Método Osborne al pie de la letra, Fisher emplea una crónica sobre un viaje efectuado por Grey para recrear sus pasos y comprender mejor el funcionamiento de su mente; lo que lo lleva paulatinamente a adquirir la identidad del asesino.

Forbrydelsens element es una deconstrucción sumamente estilizada del subgénero noir. Von Trier recupera la fotografía monocromática de los clásicos policiacos usando filtros e iluminación especial que dan un tono rojizo uniforme a la cinematografía de la obra. Sin embargo, el carácter onírico de la historia le permite al danés jugar con los recursos fotográficos y mezclar diversas nociones visuales surrealistas con las imágenes comunes del cine negro. El trabajo de cámara es experimental en todo momento y ejecuta tomas notables por su originalidad y por su contribución al singular ambiente de la película. Aunque la cinta hace un uso destacado del sonido, la sobreimposición de las voces da un efecto plano que repercute de manera negativa en la obra final.

Es precisamente en la construcción de la atmósfera decadente del filme que el director danés hace gala de sus mayores virtudes. La dirección de Von Trier en Forbrydelsens element es pausada y claustrofóbica, un mal sueño llevado a la pantalla mediante un uso ambicioso del lenguaje cinematográfico. Como es natural en una opera prima, la cinta es un trabajo ecléctico que recoge influencias tan variadas como Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution de Godard e Eraserhead de Lynch; lo que, sin embargo, no la priva de ser una muestra del genio creativo de su autor.

El guión se apoya en los personajes estereotipados característicos del cine que busca homenajear para contar una historia interesante que comienza hablando del bien y el mal para renunciar después a dar una resolución al respecto. En cambio, Forbrydelsens element habla de enajenación y de la vana pretensión humana de dar significado lógico a las realidades naturalmente caóticas. Para la narrativa se utiliza una narración explícita en primera persona con intervenciones de un tercer personaje ajeno a la acción, el hipnotista, como es frecuente en los filmes policiacos.

Con una estética plenamente constituida y un guión bien conseguido, Forbrydelsens element es una obra inquietante y visualmente desafiante. El filme experimental es una película muy distante a lo que Lars von Trier propondría después con su Dogma 95 pero permite al espectador vislumbrar las nociones cinematográficas de uno de los autores más importantes de las últimas décadas. Forbrydelsens element es un logro trascendental que ha tratado de ser imitado con poco éxito en trabajos posteriores como Brazil y Sin City.

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En la historia del cine, no hay más de un puñado de películas que pueden presumir de haber cambiado por completo el séptimo arte; está Un Chien Andalou, 8 1/2, Citizen Kane; y, desde Japón, el trabajo más reconocido del cineasta Akira Kurosawa: Shichinin no Samurai.

La historia nos presenta a una aldea pobre de campesinos que, cansada de los constantes asedios de un grupo de bandidos, deciden contratar guerreros samurái para derrotarlos. El anciano del pueblo envía a algunos jóvenes a buscar ayuda en la ciudad, donde logran convencer a un experimentado guerrero llamado Kanbei de unirse a su lucha solo por comida gratis. Kanbei logra convencer a otros seis samurái (incluyendo a un hombre arrogante que cree ser un guerrero) de unirse a la lucha solo por ayudar a los campesinos.
El grupo entonces se va a la aldea escondida en las montañas y comienza a organizar las defensas, entrenan a los campesinos, crean fortificaciones y comienzan a trazar un plan; es entonces que llega el tiempo de la cosecha y, con él, el nuevo ataque de los bandidos.

Supongo que tengo que confesar que ésta fue una película que evité durante mucho tiempo; y es que no es fácil encontrar el momento idóneo para disfrutar de principio a fin una película en blanco y negro, en un idioma desconocido y con tres horas y media de duración; sin embargo, he de decir que, a diferencia de decenas de películas que duran la mitad, en Shichinin no Samurai no hay una sola escena o un solo segundo que se sienta prescindible o fuera de lugar. La historia, tal como está, es un todo perfectamente funcional.

A primera vista, la trama puede parecer simple e, incluso, genérica; sin embargo, este filme está muy lejos de ello. La acción se desarrolla de forma medida y pausada y está subordinada a los distintos giros que ofrece el desarrollo de cada personaje. Es aquí donde se encuentra la verdadera fuerza del guión; en las constantes evoluciones que se presentan en los más de diez personajes que Kurosawa puede mantener de forma individual; cada uno con sus propias motivaciones, con su propia personalidad y con su propio efecto en los distintos arcos de la historia.

En el aspecto técnico, el filme no se encuentra lejos de la perfección; pese a evidencias básicas en maquillaje, la caracterización resulta tan atinada como el diseño de vestuarios, la música es muy distintiva del filme y complementa bien las escenas. Sin embargo, el mayor punto técnico de la película es la construcción de las distintas escenas que, tanto en trabajo de cámara como en fotografía, entregan un resultado único.

La mayoría de las actuaciones son atinadas, los personajes son creíbles y la historia es generalmente impredecible, lo que hace al espectador conservar el interés durante toda la cinta. Cada escena se aprovecha al máximo y el clímax llega en buen momento con toda su fuerza, esto se debe a una buena dirección pero, sobre todo, a un impresionante trabajo de edición que logra condensar en tres horas y media una película con drama, acción, romance, humor y aventura sin hacerla redundante ni aburrida.

El mensaje final termina teniendo ciertos tintes nihilistas; pues tenemos primero a Kanbei decidiendo salir de su retiro para luchar una vez más, tal vez pensando que por fin podría ganar una batalla, es por eso que convence a los demás de unirse a una causa que por fin parecía la correcta. Aún así, al final los granjeros no son como aparentan y el sentido detrás de toda la lucha de los siete samurái queda en duda, por eso es que la batalla ganada no es un triunfo para ellos, pues su camino como guerreros y, por ende, su vida) sigue careciendo de significado.

Sin duda, merecedora de todo el reconocimiento que recibe, Shichinin no Samurai es la película definitiva del género que llegó a ser Kurosawa y una de las cintas más influyentes de la historia.

****1/2

Låt den Rätte Komma In es un filme dirigido por Tomas Alfredson. se trata de una cinta independiente que ha sido aclamada como la obra más notable del cine sueco en las últimas décadas. La película se ubica en el subgénero de vampiros y nos presenta una revisión de los paradigmas del mismo al tiempo que desarrolla una historia como ninguna otra.

La trama nos presenta a Oskar, un niño de doce años, hijo de padres separados y blanco del maltrato de una pandilla de su escuela; un niño introvertido que , en secreto, está obsesionado con los recortes de periódico sobre homicidios que colecciona y con al fin usar su navaja para vengarse de sus agresores. Es entonces que nuevos vecinos llegan al edificio; un hombre callado y misterioso llamado Hakan y una niña de su edad con aspecto extraño. Pese a la renuencia de la chica nueva, Oskar y Eli comienzan a hacerse amigos, al tiempo que el terrible secreto oculto por la pequeña se aclara aún más. Mientras Eli insta a Oskar a defenderse de sus acosadores bajo la promesa de que lo ayudaría si lo atacaran, el pueblo se conmociona con misteriosos asesinatos perpetrados por lo que, sin duda alguna, es un vampiro.

Hakan, en realidad el asistente de Eli, muere tratando de protegerla; tras lo cual ella accede a las numerosas peticiones de Oskar de convertirse en su novia, incluso después de que ella le da a entender que no es una "chica". Con su sed de sangre aumentando cada vez más y el mejor amigo de una de sus víctimas cazándola, Eli decide alejarse de su novio. Es entonces que Oskar se enfrenta al fin a sus agresores, hiriendo a uno de ellos en una oreja con un tubo.

Eli y Oskar se reencuentran y, poco a poco, el niño se involucra más con la naturaleza homicida de su novia, cada vez más temeroso de ésta, pero permaneciendo al lado de Eli; la cual ataca a la mujer de su perseguidor. Éste consigue encontrar su departamento e intenta matarla dejando entrar la luz del sol; sin embargo, Oskar alerta a Eli, quien mata al hombre al instante. El hermano del niño al que Oskar hiriera, junto con los demás miembros de la pandilla, obliga al pequeño a aguantar la respiración bajo el agua de la alberca durante tres minutos bajo amenaza de sacarle un ojo si fallara. Mientras Oskar se desvanece, algo desmiembra y asesina a cada miembro de la pandilla y, después de dejar a su madre, el niño abandona la ciudad con su novia.

El guión de John Ajvide Lindqvist, basado en su novela del mismo nombre, presenta muchas de las convenciones del mito de los vampiros que han sido ignoradas con el paso del tiempo; la fatalidad de la luz solar, la necesidad del vampiro de ser invitado a cualquier recinto antes de entrar, su incapacidad de alimentarse de algo que no sea sangre y, sobre todo, la insaciable hambre que los caracteriza. Después de las diversas interpretaciones que se han dado de estas criaturas; desde los vampiros románticos presos de una maldición a los que nos ha acostumbrado el cine y la literatura actuales, hasta su uso como metáfora del deseo sexual en cintas como Twilight y como retrato de la maldad misma en cintas clásicas como Nosferatu, eine Symphonie des Grauens; la cinta de Alfredson consigue desarrollar una visión poco explorada en el subgénero. La protagonista del filme no es una eterna niña en el sentido emocional aunque de igual modo dista de tener la mente de una anciana de más de doscientos años en un cuerpo infantil. Eli es una niña que, debido a su irresistible necesidad de matar para seguir con vida, sobrevivió a la muerte de su inocencia y su humanidad; un ser humano que dejó de serlo para seguir con vida.

Uno de los elementos constitutivos de la trama es la ambigüedad que rodea a las situaciones y a los personajes presentados, lo que se muestra como un recurso interesante para dar profundidad a lo retratado en pantalla. En la cinta de Alfredson lo que no se dice sobre la historia tiene tanta importancia como lo que se dice. El verdadero sexo de Eli, el papel de Hakan y las verdaderas intenciones de la pequeña son temas que permanecen abiertos a la lectura del espectador. Sobre este último tema, la verdadera naturaleza de la relación entre Oskar y la niña vampiresa, existe una interesante interpretación posible, en que Eli potencia las tendencias violentas del niño y actúa de forma condescendiente y protectora con el único fin de asegurar un reemplazo tras el fracaso de Hakan como su sirviente lo que, al parecer, logra al hacer que Oskar deje su hogar. Una lectura nada descabellada tomando en cuenta la actitud indiferente con la que la niña responde ante la muerte de Hakan y su frío trato hacia Oskar, consistente sólo en respuesta a las necesidades de seguridad del pequeño.

Más que una cinta romántica, Låt den Rätte Komma In es una historia de amor enfermizo donde un niño herido y temeroso entrega todo por la mera ilusión del cariño de una niña a la que le han arrancado todo rastro de humanidad y corazón. El filme dirigido por Alfredson ocupa sin duda un lugar privilegiado dentro del cine de vampiros; tanto por su historia envolvente como por su minuciosa manufactura. Como generalmente ocurre en el cine nórdico, la película ostenta un ritmo pausado y se desenvuelve paso a paso a través de las escenas. La extraordinaria dirección le da un aire casi poético a la cinta y la edición es orgánica y cuidadosa.

La fotografía constituye un punto fundamental dentro de la obra, siendo el retrato de los paisajes gélidos y la utilización de alto contraste entre la paleta fría uno de los atributos que contribuyen a conformar la atmósfera desolada y solitaria del filme. El trabajo de cámara es desarrollado con singular maestría y no se limita a los planos convencionales para construir las memorables escenas de la película. La música es también excelente y el uso del sonido termina por completar las características definitorias de una de las obras más trabajadas e innovadoras del cine de terror europeo de los últimos años.

Låt den Rätte Komma In es un drama fantástico con elementos de horror que se construye a sí mismo poco a poco hasta atrapar al espectador en el frío entorno donde se desarrolla la acción; una cinta de género que trasciende las normas del mismo y logra dar vigor a un tema tratado hasta el cansancio en occidente. Sin duda una obra maestra del cine actual que juega con las emociones del espectador al tiempo que entrega una propuesta técnica y artística extraordinaria. Muy recomendable.

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Modern Times es una cinta cómica protagonizada, dirigida, escrita, producida y musicalizada por el genial cineasta británico Charles Chaplin. Esta cinta representa la transición del cine cómico entre la etapa silente y las películas sonoras.

En esta ocasión el personaje caracterizado por Chaplin es un obrero de una fábrica, donde tiene que apretar tuercas rutinariamente durante horas, lo que acaba por hacer que pierda el control y cause una enorme serie de enredos que lo acabaran llevando a un hospital psiquiátrico.
Después de ser rehabilitado, nuestro héroe es confundido con un líder comunista dentro de una manifestación y es encarcelado, sin embargo, consigue su libertad una vez más al detener un motín y salvar a un par de policías. Después de fracasar en el nuevo empleo que había conseguido y deseoso de regresar a prisión, el héroe se inculpa del robo de una hogaza de pan por parte de una joven pobre que acababa de perder a su padre al morir éste en una manifestación de obreros desempleados por la Gran Depresión.

El protagonista y la chica escapan juntos de la policía y una vez más el hombrecillo consigue trabajo en una tienda departamental pero es arrestado al dejar dormir en la tienda a la chica y comer de sus productos a unos bandidos. Al ser liberado unos días después, el protagonista es recibido por su amiga, que le muestra una choza y le dice que al fin pueden tener un hogar como en sus sueños. Es cuando el héroe se entera de que los empleos en las fábricas están de nuevo disponibles, por lo que entra a trabajar como ayudante de mecánico, pero termina encarcelado una vez más por un malentendido en la huelga recién estallada.

Esta vez es la chica quien consigue empleo como mesera y cantante en un restaurante y, al salir su amigo de la cárcel, consigue un trabajo para él en el mismo negocio. Pese a su inexperiencia como cantante y su incapacidad para recordar las letras, el hombrecillo se convierte en un éxito en el restaurante, solo para ver sus planes de éxito frustrados una vez más al escapar cuando la policía llega para regresar a su amiga con la autoridad. La muchacha pierde entonces toda esperanza de ser feliz, pero el hombrecillo le da ánimos y caminan juntos para buscar la felicidad una vez más.

Con un mensaje optimista sobre la búsqueda de la felicidad aún en la adversidad es como Charles Chaplin nos presenta su visión sobre la clase baja y la realidad social de los primeros años de la década de 1930. A través de una visión crítica de la sociedad y la industria es que el sentido alienante del modelo estructural de las fábricas estadounidenses es retratado ante el espectador. Limitado a cumplir una función, el trabajador es convertido en una herramienta al servicio de la producción; lo que lo lleva al desequilibrio mental. El obrero es "reparado" por las instituciones encargadas de mantener su perfil acorde al modelo planteado por la super-estructura pero, siendo la cordura buscada contraria a la libertad recién recuperada por el individuo, éste se ve abrumado por la claustrofobia y resulta incapaz tanto de ser feliz fuera de sociedad como de encajar en ella.

Teniendo de marco la Caída de la Bolsa de Valores de 1929 y sus consecuencias en los obreros, el autor nos muestra lo que ocurre cuando un sistema con una imagen concreta de estabilidad se ve derrumbado ante la realidad social, el individuo intenta reincorporarse al sistema caído sin éxito o intenta cambiarlo antes de ser reprimido por quienes lo mantienen vivo. El contexto histórico se puede ver desde una perspectiva dialéctica, con el apogeo industrial como tesis derrumbada ante la nueva realidad de un país que se ha hecho demasiado dependiente a la tecnología.

El realismo de la premisa argumental es adecuadamente sublimado por el carácter cómico de la obra; siguiendo una estructura narrativa lineal, el guión da lugar a diversas situaciones donde la crítica social y el uso inteligente del slapstick como recurso humorístico se conjugan de forma armoniosa y original. La edición es brillante por la forma en que cada escena está justificada tanto por las situaciones anteriores como por el desarrollo de los personajes

Los personajes son sencillos y cumplen roles estereotípicos, siendo la razón de ser de las ideas los conflictos desatados por las características de los personajes en situaciones específicas. La empatía provocada por el personaje de "el hombrecillo" es explotada una vez más, consolidándolo de una vez por todas como uno de los personajes más entrañables de la historia del cine.

Las escenas están bellamente tomadas y el compendio gráfico refuerza la tesis crítica de la industrialización; incluso una influencia estilística de Metropolis puede ser detectada en los escenarios iniciales. Además de ser una reflexión sociológica férrea pero discreta, Modern Times es la cinta de Chaplin por excelencia; una obra de arte impecable que, además de tener decenas de escenas memorables por sí mismas, logra el objetivo principal de una película cómica: ser divertida.

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Una inolvidable épica animada de Disney, una colosal película que resalta de entre la mayoría de los filmes animados.

El Rey León es una imponente historia de madurez y responsabilidad que se presenta con alegoríasde animales africanos.

Mufasa es el rey de los leones y de todos los animales de la sabana; un rey sabio y justo que educa a su joven hijo Simba sobre el "ciclo de la vida" y el respeto al perfecto orden natural del universo, donde todos somos parte activa.

Tratando de salvarle la vida a su hijo, Mufasa muere a manos de su hermano Scar; Simba es traicionado por su tío y termina exiliado de su reino, es cuando renuncia a lo que es y se convierte en otra persona con tal de no enfrentar el pasado y evitar revivir el dolor de la muerte de su padre y la traición de Scar; es cuando aún así Simba se impone ante el falso rey, se recupera a sí mismo y recobra lo que es por derecho suyo.

Una película de género sin duda, sin embargo, es de lo mejor hecho por los estudios Disney; con persnajes bien construidos, animación tradicional que raya en la perfección, música memorable y mensaje.

Al principio se nos presenta como salida viable el Hakuna Matata un camino hedonista a la felicidad, sin embargo, la aparición de Mufasa pone todo en perspectiva y nos insta a encarar la vida sin perdernos en el camino.

****1/2

Faust - Eine deutsche Volkssage es una cinta silente dirigida por el aclamado realizador alemán F.W. Murnau en 1926, esta adaptación libre de diversas leyendas al rededor del mítico Dr. Fausto ha sido reconocida a nivel mundial por su gran aportación al cine universal y por su innegable calidad artística.

Esta variante de la historia clásica europea nos presenta una apuesta entre Satanás y el arcángel Miguel, donde éste último dice al diablo que solo podrá apoderarse de la Tierra si consigue corromper el alma del pío doctor Fausto. El Príncipe de las Tinieblas esparce la peste sobre la ciudad y desata una ola de muerte y peste que sacude a todos, a lo que el famoso doctor y alquimista Fausto reacciona pasando días buscando un modo para aliviar el dolor y la enfermedad de las personas a través de la ciencia y la fe.

Desesperado por la muerte a su alrededor y decepcionado de su saber y su religión, Fausto invoca al demonio, quien le ofrece poder y gloria a cambio de su alma. Dada la renuencia del alquimista anciano, Mefisto le ofrece un día de prueba donde cumpliría todos sus deseos antes de tomar una decisión final sobre el contrato. Tras ser atacado por los pobladores al descubrir que la sanación que ofrecía provenía del infierno, Fausto es convertido en un joven apuesto por Mefisto y es llevado por los aires hasta un majestuoso palacio donde el demonio le consigue la compañía de una hermosa duquesa.

Tentado por la lujuria y la vanidad, el doctor firma el contrato con el diablo y decide regresar a la ciudad solo para encontrarla a salvo; es así que, al no saciarse con el simple placer, se enamora de una grácil y piadosa muchacha llamada Gretchen, quien vivía con su madre y su hermano mayor. Con la ayuda malintencionada de Mefisto el joven consigue enamorar a la muchacha, solo para que el demonio aproveche para separarlos en la cima de su romance; provocando en el camino la deshonra de Gretchen, quien queda como una muer pecaminosa ante los ojos de la comunidad, y la muerte de su madre y hermano.

Pasa el tiempo y Fausto vive exiliado con el diablo como único compañero mientras, en la ciudad, la vagabunda pobre y aislada en que se ha convertido Gretchen entierra a su bebé en la nieve en un ataque de alucinaciones. La joven es condenada a morir en la hoguera y Fausto, al percibir el sufrimiento de su amada, regresa a la ciudad con el diablo para intentar salvarla.

En esta épica muda se muestra la batalla del hombre entre el bien y el mal y el papel de su libertad en las acciones que conforman esta lucha. Fausto es un científico que, abrumado por la desesperación y rendido ante la muerte, asume la responsabilidad de ser un mesías para su gente y peca para sanar a los enfermos en una suerte de alegoría de Jesús; sin embargo, la ingenuidad y la arrogancia en su acción pronto desaparecen, por lo que el diablo crea tentaciones lujuriosas y hambre de poder que Fausto toma sin problema, perseverando el control del mal sobre el hombre.

Mefisto da al joven Fausto todo aquello que pide para mantenerlo bajo su control pero siempre manipulando las circunstancias para demostrar al alquimista que puede ver cumplidos todos sus deseos y ser aun más miserable de lo que era antes. Al pedir ayuda al diablo por última vez podría entenderse que el protagonista ha cedido ante el mal, es entonces que el amor, el motor de la acción de Fausto, es también su redentor, ya que la esencia del bien se encuentra en él.

El guión de la cinta presenta una introducción vertiginosa y un inicio rápido y climático donde la tesis se establece completamente para dejar a la película desenvolverse a un ritmo menor en el desarrollo de la misma. La estructura autoconcluyente de la secuencia de acontecimientos da orden a la película y le otorga características de una obra moralista. El desarrollo de personajes es impecable, desde la sorprendente ambigüedad de Mefisto hasta los conflictos y deseos en Fausto pasando por la tragedia en la figura de damisela inocente de Gretchen que, esta vez, no es salvada por el héroe.

La premisa argumental es estupenda pero las escenas de juego entre Gretchen y Fausto, también toda la acción en la ciudad que precede al duelo entre el protagonista y el hermano de su amada, se sienten fuera de lugar y quitan impacto al filme, siendo contrarias al espíritu del mismo. La dirección de Murnau es perfeccionista y estilizada y la edición es un trabajo impecable que mantiene el tono de la obra y el ritmo de la acción a lo largo del desarrollo.

Sin embargo, el factor más destacado de Faust - Eine deutsche Volkssage es el inmenso poder de las imágenes y la atmósfera que acompañan a la historia. A pesar de normalmente ser clasificada como una película meramente expresionista, la cinta de Murnau también desarrolla imágenes propias del romanticismo, contrastándolas con el expresionismo llevado a la perfección que predomina.
Viviendo en la época del fotorrealismo en las CGI y el esplendor de la técnica audiovisual, frecuentemente olvidamos la razón de ser de los efectos especiales, afectar al espectador en conjunto con el ambiente de la obra y dar vida a las fantasías del autor. Este filme no solo lo logra, sino que lleva la técnica más allá de los estándares de su época; los efectos especiales de Fausto son tanto impresionantes como adecuados y hermosos, la concepción fantástica de Murnau cobra vida a través de ellos y da forma al estilo visual único de la película.

El uso artístico de las luces y texturas en la fotografía y la innovación en las tomas se conjugan en imágenes ante las que el espectador no tiene más que dejarse maravillar por el genio y la perfección tras la pantalla. Con más escenas memorables que decenas de cintas juntas y un ambiente oscuro que da poder a la acción y a los personajes es que Murnau lanza al espectador su visión sublimada de la dualidad de la persona y la tentación del ser humano. Dejando de lado la cohesión incompleta que generan las escenas anticlimáticas, Faust - Eine deutsche Volkssage es una obra maestra del cine expresionista y un paso mayor hacia la perfección técnica y artística; un filme al que aun no existe la banda sonora que haga justicia a la majestuosidad que representa. Indescriptible.

****/

Sin duda, la obra maestra de Tim Burton; un hermoso cuento gótico que nos muestra que lo que llamamos "malo" muchas veces es simplemente algo desconocido que los dogmas no nos permiten ver.

Un mensaje de tolerancia susurrado por una historia inolvidable.
Con la casi consagrada dirección de Burton y una de las mejores actuaciones del polifacético Johnny Deep; enmarcado en una excelente fotografía y el ingenioso uso del color para representar un contraste en la historia (alguien dijo el Mago de Oz?)

Con gran música de la autoría de Danny Elfman y una trama original tanto en discurso como en mensaje, nos llega un clásico imprescindible del cine contemporáneo.

****1/2

Even Dwarfs Started Small es una de las primeras películas del reconocido director alemán Werner Herzog, se trata de una película caótica, perturbadora y muy distinta al modelo tradicional; sin embargo, es fácil ver en ella a un filme sumamente personal y claramente revolucionario.

El argumento de la película es realmente sencillo: un grupo de enanos se rebela contra las autoridades de la institución donde viven y decide tomar el control del lugar; fuera de ahí no hay cambios argumentales mayores y toda la historia se centra en esa premisa básica.
Todo el filme está cargado de imágenes de fuerte simbolismo, un claro referente hacia el cine surrealista son las gallinas, que aportan aún más a la creación de un ambiente surrealista y absurdo en el espectador.

Even Dwarfs Started Small puede ser vista como una crítica hacia las revoluciones sociales cuando llegan al caos al sacrificar sus principios por seguir los impulsos de los líderes. Es fácil ver en esta película influencias para el cine de Jodorowsky (particularmente El Topo y La Montaña Sagrada) tanto en el uso de actores discapacitados como en la utilización de animales como símbolos a lo largo de la película; la crucificción de un mono, peleas de gallinas, lechones mamando de su madre muerta son solo algunas de las imágenes perturbadoras que presenta Herzog junto con su crítica a las revoluciones que pierden sentido.

Otra escena notable es aquella en donde los enanos se unen para atormentar a los ciegos; discapacitados, segregados por su incapacidad, rechazando a los que son aún más discapacitados; una muestra más del tono de ironía burlona que se siente a lo largo de la película. Otra lectura posible sobre la película nos muestra al afán destructivo del hombre como un resultado completamente aleatorio del caos interior que le produce el no ser parte de nada pues, la destrucción sin sentido, es lugar común en la película.

La fotografía es en blanco y negro y, a pesar de no mostrar tomas memorables por su cinematografía, es importante reconocer en ella un buen manejo de los planos y le sello propio del autor en lo que a retratar paisajes se refiere. A pesar de que algunas escenas se prolongan demasiado y que, por momentos, el filme se siente sin avance, Even Dwarfs Started Smalles una genial pesadilla que nos muestra el resultado de una revolución sin ideología ni fin concretos.

****1/2

Crazy Love es la ópera prima del director belga Dominique Deruddere, se trata de un trabajo único basado en distintos relatos del controversial escritor norteamericano Charles Bukowski. El filme captura la esencia temática de la literatura de Bukowski pero se aleja del aspecto visual y el tono que caracterizan a las demás adaptaciones de su obra.
Esta película carece totalmente de recursos innecesarios en su base argumental y se presenta como una obra de estructura simple, poseedora de un estilo orientado al humor negro, pero sin descuidar la fuerza del mensaje ni restarle importancia a los personajes o a los acontecimientos. El guión nos presenta los tres días en la vida de Harry Voss que definieron su concepción del amor y de la sexualidad.

El primer episodio nos muestra a Harry como un niño que se maravilla con el ideal romántico de las películas clásicas y que busca encontrar historias de romance a su alrededor; solo para ver su idea sobre el amor consumida por la vanalización de las relaciones humanas y encontrar que el verdadero motor para al matrimonio es el sexo.

Después de un salto de algunos años en el tiempo, el protagonista es mostrado como un joven poeta rechazado por la gente a su alrededor debido a su problema de acné pero que aún sueña con encontrar al afecto de la muchacha de la que está enamorado a través de su poesía y de sus sentimientos hacia ella. Demasiado cobarde para sacarla a bailar, el muchacho sale del baile y es rechazado de nuevo, solo después de aprender que las relaciones sexuales tienen al amor solo como uno de muchos pretextos.
El protagonista regresa al baile y, a pesar de la dimensión de su amor, Harry es ignorado por su apariencia y solo logra bailar con la joven al cubrir su rostro con papel de baño, ella no pudo verlo realmente hasta que Harry escondió la cara; el amor no fue ciego para él.

El capítulo concluyente se ubica en la edad adulta de Harry Voss, un criminal sucio, un ebrio demasiado decepcionado del amor como para pensar en él como algo más que el mero contacto carnal; un hombre que decide huir de todos los "rituales" construidos alrededor del sexo para buscar su romance perfecto en lugares insospechados.

Un filme lejano del cine de evasión que nos presenta un análisis pesimista de las relaciones románticas; una cinta desafiante en su argumento y refinada en su forma. Crazy Love mantiene un ritmo inusualmente fluido durante su ejecución y logra mantenerse complejo sin perder lo que tiene de contestatario. Las escenas están bien ensambladas por un trabajo de edición discreto pero efectivo y logran crear una atmósfera un tanto poética dentro del humor negro que es manejado a lo largo de la película.

La fotografía es Eastmacolor y cambia durante la película, moviéndose de la paleta de colores brillantes durante el primer segmento hacia los sombríos azules y cafés del tercero, pasando por la combinación de tonalidades que se muestra durante la juventud de Harry. La banda sonora es también remarcable, compuesta casi exclusivamente por temas románticos cincuenteros que acentúan aún más el tono irónico de la cinta.

Crazy Love es un filme único que logra tratar temas serios y tabúes utilizando el humor en el desarrollo de los personajes; una obra estilizada con una dirección intachable y actuaciones bien logradas que reflexiona sobre la sexualidad humana y el amor desde un punto de vista cruel pero sumamente realista. Un filme tan bello como deprimente que utiliza la comedia agridulce para mostrar el culmen de su planteamiento en una escena final excelente.

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